一年半前，我随广东省美术家考察团对西欧九国 (意大利、法国、荷兰、德国、比利时、奥地利、梵蒂冈、卢森堡、摩纳哥) 二十多个美术馆 、博物馆进行了考察。

其中意大利、法国、荷兰、比利时、奥地利等国家和地区在世界美术史上是占主要地位的，也是西方色彩绘画最具代表性的国家和地区。

通过考察，对西方色彩绘画传统的形成、突破和发展，关于技法的产生、革新和创造有了直观的了解和重新认识。

西方的色彩绘画(含蛋清画、油画、水彩画)，从文艺复兴运动以来，发展很快。

其迅速成长的原因，首先归结为油画、水彩画颜料的研制成功和运用这些新材料投入创作实践的技术手段相继形成；其次是与之相应的绘画工具的革新创造；然而，最具进步意义的因素，就是“固有色”观念的废除和“非固有色”观念及其规律、技法体系的确定，从而使西方绘画传统不断臻于完善和成熟。

“固有色”观念，是指人类非理性认识阶段的初级视觉观念，具有原始性。

即在色彩绘画中，只凭物体本来的颜色作画，不受光 、色 、空间、形体、质量等各种环境因素的影响，依靠简单概念作画，如：天是蓝的，用蓝色画：头发是黑的，用黑色画：花是红的，就用太 红色去画。不知环境色相互影响的重要性。儿童的绘画观念即具这类特征。

这里须说明，中国传统绘画以墨色、纸色为主要特点的 “固有色”着色法，与此概念不完全相同；而 “现代主义”的原色作画观念，是出于不同的理想境界，是对视觉真实的自觉忽略和反理性观念的体现。

为此，“非固有色”观念绘画的产生，是人对色彩的认识更深入、更科学的体现。这对西方传统绘画取得举世瞩目的成就，具有决定性意义。

这种创造精神说明了：一，是围绕着西方色彩绘画的内容、题材的转换、技术的变革和科技进步而得以发展的。二，是随着人们认识水平的提高对“固有色”观念绘画表现的局限产生不满足，而“非固有色”观念的绘画，可能达到的视觉真实被逐步认识、接受和掌握 ，并在这过程中取得发展的。

所以研究西方传统绘画的色彩问题，不但要从根本上弄通“非固有色”观念被确立的原因，还须对西方各个特定阶段上著名画家及其表现技法的类型倾向，进行一番全面性考查和研究，从中摸清来龙去脉，作出中肯评介，才能正确指导艺术实践。

1 先钩勒后上色的“线描填色法”

这一技术的主要代表画家是菩提切利(SandroBottice1li，1445—1510 ) 他是意大利文艺复兴时期的著名画家。

他摆脱中世纪以来流行的作风，从单纯临摹圣家经典色彩的基础上冲出来，逐渐形成运用视觉科学的方法，尝试一种“四固定”的写生技能，即固定光线、固定环境、固定画家的视点位置的一次性观察法，透视学上称“焦点透视”(中国画观察的方法是多次性的观察，称散点透视)。

由于他运用了这种科学性很强的写实方法，使他摸索出绘画色彩的初步规律，即“固有色”之外的色彩关系。他除了从事教堂壁画的创作、绘制外，运用新技法投入写生实践，推演出了《春》一类作品的创新成果。

他一般先用严谨的东方线描画法，勾勒塑造出形象素稿，再采取近乎平涂的方法填色。用色较薄，一般看不出笔触的交叉痕迹，按不同质地不断变换绘画手法。如头发、脸部就采用粗细、轻重不同的用笔方法。

在《春》中，他已把线描方法作了改进，使线描和明暗有机地结合起来，虽然这类技法尚未完善，却能为后世艺术家所推崇和效仿。

用现在的眼光来审视这一技法，未必尽善尽美 、完全符合现代人的口味，但把它放到艺术发展的阶段意义中去审度，这种作风所仰仗的鲜明、单纯 、朴素的艺术气质，严谨而又不失生动的造型语言，深沉而概括的色彩表现力，使画面充满着强烈的装饰风味。

这种技法，不仅仅跳出了西方前期传统的沉闷、郁结习气，更重要的是为后世开创了不可逾越的风范。

2 先形体后色彩的“古典画法一”

当初的油画技法，即先形后色的“古典画法”。是先在画布上严格地作造型轮廓或更精确地涂上明暗调子，画出坚实的素描，暗部用透明的稀油渲染，亮部用较干的油色描绘。用色较薄，笔触不明显，着色受轮廓和明暗界限的约束，到作品完成时，有些地方还留下轮廓的痕迹。

归纳起来说，这种方法是先画严格的形，然后着色的法则。基本上适用于室内写生，多采用侧光、顶光。

风景画的表现，主要凭画家对感觉的记忆和色彩经验进行的，所以，明暗、形体关系虽然很正确，但不如以后的外景写生那样色彩丰富、生动。

意大利文艺复兴盛期的大师中，第一位巨人是天才画家达 ．芬奇 [LeonardodaVinci，1452—1519]。他就是这种“古典画法”先形后色的出色代表。

从他的杰作《蒙娜 ．丽莎》中可看出，与菩提切利的“线描填色法”有明显区别：画面上没有独立的线条，受光感很明确，立体感非常强烈，而且对“非固有色”观念的建树更进一步明朗化。

达．芬奇主要从事室内绘画，很少到室外写生作画，因此在画面背景处理方面常采取虚构的手法，这是当时历史条件的局限性造成的。然而，他在人物性格表达上的成就却是空前绝后的。

虽然 《蒙娜．丽莎》这幅画在色彩运用上略有欠缺，但由于达．芬奇巧妙地利用了白光条件下“非固有色”的表现方法，弥补了不足。

长期以来，在鲁佛博物馆展厅，这幅画前人流经久不息，多少人为之倾倒。打动人的是什么呢?

首先，是映现着优美柔和变化的脸庞和丰润而充满弹性的双手，使人感觉到一种活脱脱的人的气息；更加重要的是人物的精神面貌，清澈而传神的眸子带着悠思和多情，默默地注视着观众；再次，极其自然的双唇，传达出一丝淡淡的微笑，微笑中依稀透露出哀愁，若隐若现地增添了悬念和神秘色彩。

此外，整个画面形象，又被她身后缥缥缈缈 、气韵生动的山水烘托得玲珑剔透，无愧为高度和谐统一的传世经典。

就艺术性而论，达．芬奇在这幅作品中，成功地创造和使用了三角形构图法；运用山水衬景的空气透视法，产生一种“薄雾式”的朦胧美；色阶微妙变化的高度晕染法；谙练的科学解剖学；以及从客观世界中吸取灵感、把握典型的高度写实技巧。形成了先形体后色彩的“古典画法”牢不可破的典范。

采用“古典画法”的画家还有拉斐尔，[RaffaelloSanzio，1483- - 1520]他的《西斯廷圣母》等作品，创造出典雅 、优美、宁静、具有高度技巧的古典艺术风格，达到了现实美和理想美的良好结合。

另一位画家是提香 [TizianoVecell io，约1490—1576]，他的传世作品如《花神》 、 《人间的爱和天上的爱》、《拿手套的男子》等。

严格地说，“提香是第一个直接用纯色彩来塑造形象的”，他那幅 《花神》“画面上的素描与用明暗关系塑造的形象，是和他用画笔的功夫分不开的”。他的 《花神》极其绚丽和谐而又富于肉感之美。

他往往在褐色底子上用白、黑、红三种颜色来画人体；经过多次“加光”，就形成了夺目而诱人的力量。他还用手指、调色刀代替画笔进行揩抹，使色阶调和而且气韵生动；透明的上层颜料遮不住底色上严格准确的形体色彩，薄薄地透露出来，星星点点的底色，显出作品的独特魅力。

“先形体后色彩”的方法，经过画家们的努力，逐渐形成色彩绘画体系，这也作为意大利学院的传统画法，尔后扩展到全欧洲。

19世纪法国的达维特 [JacquesLouisDavid，1748—1825]、安格尔 [ Jean Auguste Domin ique Ingres，1780—1867] 就是严格按照这种方法作画的古典主义代表，20世纪初，欧洲许多学院都按此进行教学。

任何方法都有局限性，现代人大有把19世纪“学院艺术”的僵化、没落原因归结到“古典画法”上 ，从而否定古典主义的优秀传统，这是很不恰当的。

虽然学院派绘画也采用“古典画法”，但关键是他们严重脱离实际生活， 排斥创造精神，只从基督教教义、神话故事中吸取题材，用保守、僵死的观点去反对其它学派。

因此，无论他们采取何种合理的技法，都不应该让“学院艺术”复活。在现代人心目中应该重新认识这一点。

3 先堆塑后罩色的“透明画法”

在先形体后色彩的“古典画法”的发展过程中，派生出了一种“透明画法”，这种画法的产生，使西方的油画艺术水准向前推进了一大步。

代表17世纪“透明画法”最高成就的画家，当推荷兰的伦勃朗 [RemebrandtHa rmenszvanRijn，1606- - 1669]。他擅用聚光的方法和透明的阴影处理技巧突出主题，合理地运用笔法刻画不同类型物体的质感。

他强调“使 自然再现”，当然他指的不是什么“自然主义”者之类的摹拟。在形式上都赋予作品浪漫性和喜剧性的效果，形成了他艺术上创造性的建树。

所谓“透明画法”，就是在暗底子画布上，表现深色调背景的肖象画和架上画。

他仍然严格遵循先抓形体后加色彩的传统技法，但在着色时使用塑造性较强的白油色，把人象或背景的亮面堆积、塑造出来，并用扁型画笔碾出明显笔触，形成人物肌肉组合的凹凸结构和器具衣物的纹理。

等白色干固之后，再用透明彩色罩上去，然而擦去画面突出部位的颜色，留下凹陷处的颜色，便生动地表现出了对象的质感。如作品《画架前的自画象》，就是合理运用此法的成功之作。

以前的绘画都是采取白光规律写生创作的(如达，芬奇、拉菲尔等 )而他，则把白光推进到烛光和其它暖色光，作出画面调子的革新，改变了冷冰冰的面貌。

由此而来，大大加强的笔法表现力。他的画不是“描”和“磨”出来的，而是“塑”出来的。又如另一作品《夜巡》，在展厅里是一尊几乎与墙面通体的巨著，大刀阔斧的笔触和构图，打破了架上画的常规。

金黄色的光亮凝集在人物的脸和主体部位上，在一片浓重底色的衬托下，再加上画面塑造的凹凸效果，在本来不太明亮的展室屋顶上方，射下一束柔和的自然光，正好投在画面中心突出的亮部，显得更加光彩夺目，融合着作品本来的立体效果，产生了非常强大的空间力量。

4 先色彩后形体的“水彩画法一”

西方“非固有色”观念的绘画艺术发展到17、18 世纪，赏识和需求对象，从大资产阶级和工商业主范畴，扩大到中小资产阶级和市民阶层。小品和袖珍画大受欢迎，用于室内装饰配套的肖象、静物、风景画创作，成为当时的热门话题，于是，艺术创作赢得了大发绩的良机。

这一时期光学的发明，给以光、色为主体的西方绘画带来新的动力。18世纪末19世纪初，先色后形的“水彩画法”在英国得到了蓬勃发展，由此开导了“浪漫主义”和“印象主义”的先河。

画家们运用水和彩这最简便的工具，以室外大自然为主体进行风景写生。他们对于景物在天光之下的早晚、四季、阴晴、川I陆、远近等等条件下的色彩变化，理解和掌握得更加透彻、全面了。

代表先色彩后形体画法的画家首推英国的水彩画家透纳 [w illiamTurner，1775— 1851]，与他齐名的是康斯泰布尔 [JohnConstable，1776—1837]。

两位大家即便是艺术上的“对头”，康斯泰布尔也还不得不赞扬透纳的画：“我想，这是我见到过的最完美的奇才之作”。

在透纳画中，跳跃着那种强烈的光色关系和无比壮阔的大气氛围；满腔激情地表现出了天光水色浑然一体，云、雾、汽缥缈融会其中；使自然景象超然再现，是那样的生动和淋漓尽致。他的注意力不只在自然本身，而充分体现由此而来的亲切感受。

代表作品如：《一条河和远方的海湾》；又如：《里昂风景》、《蒸汽和速度》等，都表现出在闪着珍珠那样光芒的薄雾里，一种海市蜃楼般恍惚的景象。透纳作画常常在野外写生后，再回到画室里。

根据当时的印象，加入自己的感情、构想和夸张，把写生稿扩大，充实成一幅完美的水彩画作品，这就是他的创作方式。

他的画法和古典的“先形后色法”很不相同，他在确定了景物大体轮廓后，迅捷流畅地铺好整体色调，力求冷暖色调丰富多彩(即破形布色)，然后再与黑、白、灰 、关系等取得联系，进而投入正确地刻画。

他运用的这种方法，要求画家具备高超的造型和色彩表达能力。功夫不扎实，很可能造成画面松散、漂浮、苍白的不良倾向，将体现不出“先色后形”的技法优势。

法国浪漫主义画家德拉克洛瓦[EugeneDelacroix，1798— 1863]，他把透纳作为自己的先师和榜样。他说“透纳和康斯泰布尔是真正的革新者，他们走出了过去风景画家所固定的道路——从他们的榜样中，我们得到了很大的教益”。

德拉克洛瓦受到“先色后形”的水彩画法影响，进行大量的室外写生，取得不同凡响的成功。他的传世名作《自由引导人民》。画面奔放的气势，活跃的色彩，宽宏的构图，威风凛凛地突现在展厅，无可争辩。

19世纪后半叶，俄罗斯的阿希波夫[Apxnhob，A，E，1862- - 1930]也是熟练地运用“先色后形法”的重要代表；谢洛夫[Cepob，B，A，1865— 19l1]，及罗马尼亚的格里高莱斯库 [Grigorescu，N，1838- - 1907]的《自画象》等作品，把这一技法发挥到极妙处。

5 点、线、面组合的“色彩印象法一”

19世纪70年代后，西欧艺术界唯美主义倾向纷纷走势。本来已经衰败的学院主义，又露出头角，无休止地重复着脱离现实的神话 、圣经内容的绘画形式，千篇一律地因袭着过去那种八股式表现手法，绘画空气世风日下。

然而，由于这一时期物理科学的进步、光学的开导，为“先色后形”技法的产生提供了科学依据，一种追求光色为目的的、并以光色科学规律为指导思想的绘画方法，被画家们迅速掌握和发扬光大。这就是“色彩印象”法。概括起来印象派的绘画特点，有两方面值得注意：

5．1 巧妙的运用色点。 在阳光照射下，呈现出千差万别的景物的光彩印象，透过层层大气，眼前涌现出一种闪烁 、跳动的光亮感，如果空气很浓密、光线更强烈，那么这种自然形态的感觉就越显得光灿灼人，好象无数捉摸不定的色点在闪耀 、跳跃。印象派画家莫奈[C laudeM onet，1840—1926】，就是在这种强烈的光色感召下采用色点法画成了《日出，印象》，画派之名也由此而来。画家们就凭那种感觉的印象，将对象分解为无数冷暖、深浅不同的色点，通过有机排列，让观众在视觉上意识到这种自然现象的光感闪动印象。如莫奈的另一作品《灿烂阳光下的鲁昂大教堂正门》，则更大程度上体现出那种强劲的感觉。还有如：西斯莱[A lfredSisley,1839-- - 1899】的《马里港的水灾》等作品，则更生动、更具真实的印象。

5．2 灵动地排列色线。 按照传统绘画的习惯，大多数画家作画时，常在调色盘(板)上把颜色调匀再涂上画布。而印象派画家却巧妙地利用视觉规律，通过色彩空间混合，在一定距离上产生感觉印象。比方有三人，甲穿灰色衣服；乙穿细的黑白条纹衣服；丙穿细黑格子衣服，从一定距离观察他们的服色，则三人同为灰色。印象派画家们就是利用这种视觉空间来表现色彩的。并用饼立的不同细线的方法来描绘，把所表现的对象与现实印象一致起来，使光感空气感活泼、生动。如毕沙罗 [Ca』nillePissarro。1830--1903]的《红屋顶，冬天效应》；雷诺阿[PierreAugusteRenoir。1841—1919，]的《塞勒河畔的尚普罗塞》等，是用色线组合较典型的作品。

无论是以菩提切利为代表的“线描填色法”；达 ，芬奇 、提香等画家的“古典画法”；伦勃朗为首的“透明画法”；透纳、康斯泰布尔等画家的“水彩画法”；莫奈 、西斯莱等一批印象派画家的“点、线、面”色彩组合技法等等，都是在遵循一定科学规律的基础上，逐步地从不自觉走向自觉运用“非固有色”观念的规律开创色彩绘画新领域的。

从大师们那里，已经看到他们在排除“固有色”观念中的非凡能量，和构筑西方色彩绘画大厦的不朽功绩。但是还必须看到，在把色彩技法当作必不可少的奠基之材的同时，不能不重新认识技法的角色为什么? 应充满睿智地把它放进艺术形式的全部内涵中去审视。

如果孤立地迷醉于技术操作，就很难灵敏地进行艺术形象的创造。只有将技巧融会贯通于合情合理的表达方式，才有可能使我们进入深刻的艺术境界。

作者观点：

在西方艺术中，拥有很多不同的画法，来表达不同画家的思想与文化之间的交融，并且还能将他们的情绪展现的淋漓尽致。

为了创作出更好的画作，他们经过苦思冥想，利用自己精湛的画技，将心中的每一幅画作，展现在世人的面前，供大家观赏收藏，最后成为经典佳作。

参考文献

[1] 瓦莱里，玫达斯，AORAY 奥赛博物馆 [M]．巴黎：黎丝艺术 出版社 ，凡尔赛 ，1999

[2] 瓦莱里 ，玫达斯 LOUVREL 罗浮宫 [M]．巴黎 ：黎丝艺术出版社，凡尔赛，1997

[3] 朱伯雄，世界美术名作鉴赏辞典[M]．杭州：浙江文艺出版社 ，1996