《大话艺术史》一书，书如其名。用大白话讲述了西方三千年以来的艺术历史，其中的戏谑与幽默令人忍俊不禁，它让你在汲取艺术知识的同时，越看越想往下读。

什么艰难晦涩，什么高深符号都被一个个跳跃的大白话字符给稀释掉，你会喝到一杯恰逢其时的菠萝碰乌龙。没有菠萝的锋利和乌龙茶的苦涩，有的只是爽口的清甜，带着初夏的味道，冲击着满嘴的死水深潭。

高雅的艺术会被玩坏吗？我们可以跟随《大话西方艺术史》的脚步，去瞧它一瞧。

（一） 很久很久以前

所有的故事都是从很久很久以前开始。

那时的人，尽管食不果腹，战乱频仍，却会去思考生老病死这种高大上的问题。尽管看起来有点不切实际，但是这也许就是能区别于其他动物的原因。

我们可以换个角度说，我们的祖先有长远的眼光，从那个时候就开始就有意无意地哺育了人类文明的萌芽。

反观现在，在现代文明如此繁荣的年代，我们考虑的问题就是每天的一日三餐吃什么，隔壁邻居家的小猫生了几个，楼下是谁乱丢垃圾，，，，，，

有人说着眼于当下，务实点没有什么不好。但是如果祖先们也是这么想的话，或者人类就不会繁衍这么几千年依然生生不息。

艺术的起源来自于人类对生老病死的思考。祖先们会把恐惧的，敬仰的事物捧为神。只要是未知的，就是神秘的，就会被画下来或者雕琢，以供瞻仰。

西方文明两大源头是希腊文明和希伯来文明。他们共同孕育了西方社会的文学和艺术。他们用宗教，神话，传说来试图解释人类的生存和毁灭。这些也只是他们那个时候的探索和推测，同时也被他们利用为政治统治者的统治工具。

正是有着这些原因，文明在人类一步一脚印中的摸索得到繁荣。

其中，古希腊和古罗马的艺术最为显著。一个闻名于它的古典美，一个闻名于它的力量美。他们一脉相承，《维纳斯》雕像也成了美的化身，流传至今。

（二） 文艺复兴

文艺复兴之前，艺术家等同于工匠，文艺复兴之后，艺术家才是真正的艺术家。所谓家，就是专业，且有自己的思想。

艺术家们借助物理，解剖学来创造作品，借此传递他们的思想，作品也在他们的手下绽放自己的魅力。

中世纪的宗教是个好东西，它可以被统治上层用来控制愚昧的群众。画和雕像是最为方便的教化工具。

中世纪的画呆板，“神”是一切。后来，乔托的出现让大家的关注点从“神”回归到“人”。

接着，达芬奇用明暗渐隐法创造了《蒙娜丽莎》，这幅至今仍是全世界的当红炸子鸡，艺术界的网红。

米开朗基罗，拉斐尔等人都受到美第奇家经济上的鼎力支持。从暴发户成长为老钱一族，这么支持艺术，都是为了洗白家族的赚钱发家史，毕竟名和利双收是再好不过的了。

金山银山用完了，但是金钱推动下的艺术品却成了经典，教堂顶上的圣经题材画作和雕像得到永生。

文艺复兴后期，丢勒用几何构图法作出来的自画像也赋予了文艺复兴关注自我价值的特征。

（三） 巴洛克，洛可可与新古典

文艺复兴之后，迎来了巴洛克，洛可可和新古典艺术。

三种艺术各有各的特点，像个鼎立的三足，缺了谁这个斗地主游戏就不好玩了。

贝尼尼的自由，创新，大胆的精神，让艺术达到前所未有的高度。

卡拉瓦乔的“酒窖式”光线写实了当下的社会，有点继承了文艺复兴衣钵的味道。

哈勃朗的《夜巡》让他成了“世界绘画之光”，也成了他下半生痛苦的来源。

委拉斯开兹要是生活在现代，我猜他一定会喜欢上照相机的。《宫娥》一画非常“逼真”，其远近透视的手法刻画的细节直击人心。

洛可可是现代所谓的奢华风的祖奶奶。史上最著名，也最大摇大摆的小三蓬皮杜夫人以其一己之力把洛可可风格推向鼎盛，是当时法国艺术的核心。

如果你知道洛可可是一个*妇情**发明的，估计你不会想要这种风格，毕竟我们都是要脸的人嘛。

大卫和安格尔开创了新古典主义。他们专注“人”这件伟大的艺术品。其中，安格尔成为女性古典美最高峰。拿个花瓶，披一块布遮羞就很美。

现在很多人喜欢把复制着这个图案的瓷砖装修在洗手间，以显示品味，毕竟大着号也不能放弃我们对美的追求。只是，安格尔如果知道的话估计要哭晕在自家洗手间了。

（四） 浪漫与写实

很多人认为，浪漫就是花前月下。其实，浪漫主义表现的基准就是被压迫的生命的强烈反抗。

没有反抗就没有自由，没有自由就没有浪漫。浪漫就像*刺长**的玫瑰，抵住钻心的疼痛，你才能拥有那朵浪漫的玫瑰。

欧仁的《自由引导人民》就是浪漫主义的代表作。

斗争不会一直存在。斗争成功之后，就要迎来岁月的静好。这个时候，来点风景，水果，动物啥的最美滋滋了。

库尔贝追求真实，但是又不仅限于真实，真实中还有他所想要表达的批判精神。

米勒的《拾穗者》也是现代画界的网红。画里表现出来的平凡人的平凡生活，有一种柴米油盐的美好，这些烟火气息最能抚慰浮躁的人心。

罗丹应该想不到自己刻了一整个《地狱之门》，结果被一个个小小的人像《思考者》抢尽了风头。

思考者思考的内容我们无从得知，但是正是这种未知的东西才引发人们的争论和思考。除了思考今天吃些啥，还思考下死亡的本质。这样，下里巴人和阳春白雪都齐备了，鱼和熊掌都不缺，岂不美哉。

（五） 印象派

说到印象派很多人就有话可以说了。毕竟凭着印象画出来的犹如草图一般的画作，对每个人来说是似乎不难做到，人人都可以有自己的印象派画作。

但是如果要你画出一幅以光着身子野餐为主题的画，恐怕放在现在也没几个人敢画出来。

马奈可谓是担当情色风格的先锋，尤其是当画里的人物是有争议的风尘女子。这个主题一不小心就会沦为俗，但是马奈的画里有的只是风情和色彩。

莫奈的《日出印象》和《睡莲》给了人们一个真真假假，虚幻难辨的世界。你以为它近在咫尺，可是你又摸不到它的边。真是距离才能产生美。

德加画舞女自成风格。毕竟把舞女当成模特也算是前无古人后无来者。

雷诺阿的《红磨坊街的露天舞台》画出了那个年代的衣裳鬓影，以至于后来每遇到同样的热闹场景甚至字眼，我脑海里都会浮现雷诺阿这幅画。

高更和凡高真是一对相爱相杀的好朋友。他们追求的都是内心的世界，他们躲避现实世界的手段也如出一辙。

一个逃到人迹罕至的地方自我放养，一个把自己耳朵给割下来，都是通过外在施加的痛苦来达到内心的平静，放到现在也是有疯子嫌疑的。

现在艺术生的入门都得画苹果，静物。这个基础门槛要是画不了，吃这碗饭基本没戏。老天爷不给饭吃，估计都是塞尚安排的。

他提出“对具体物象的抽象把握”理论，要求画静物和苹果等来展现立体感。他打破单一视角，把物体简化为一个个几何图形，也让画中的一切事物有了规律可循。

（六） 进入二十世纪

简单的，困难的，单调的，多彩的，人类的，动物的，风景的，水果的等主题都被老祖宗们画了个遍。

进入二十世纪的画家们真是犯难啊。女人穿衣不喜欢撞衫，画家也不喜欢重复先人们的作品，毕竟要是青出于蓝而无法胜于蓝，那得多没面啊。

于是，他们就像约好了似的，往丑里画，往看不懂里画。丑只要能不同于美，那就是美的；看不懂就没有办法随意批判画作了。

他们赌对了。经历过上下几千年的生存，整个世界越来越倾向不确定性，人们也因此更加宽容，能活着就不错了，哪来那么多的禁忌和条条框框。

毕加索的丑画美在支离破碎，马蒂斯的丑画美在色彩浓艳。

蒙克的画美在惊悚，克林姆特的画美在符号重复得让你头晕。

如果这都不算特别的，那么，萨尔瓦多的《记忆的永恒》，玛格利特的《梦的钥匙》，佛里达的《有荆棘鸟项链的自画像》，蒙德里安的《红黄蓝的构成》，波洛克的《1949年1号》等则让你恍惚间像闯进画家们的梦里，雨里雾里看不清。

更不可思议的是画家杜尚。画家起码得画，他倒好，省了颜料，直接去买个小便池，命名为《泉》，再写上自己名字就完事了。杜尚认为，我认为它是艺术品，它就是艺术品。

从此，西方艺术就被带歪了，哦不，是被带着走上了“观念主义”的艺术之路。

看似越来越荒诞不经，人们对艺术的思考也越来越深刻。

由于二战的消耗，经济资源匮乏，艺术家们开始反思流行的通俗文化是否能和艺术携手同行。

波普艺术和超级写实主义应运而生。

他们将对大众传媒和消费文化的认识，跟着商业潮流的变化，糅合到艺术中。这打破了传统的艺术创作理念，让人们对艺术有了新的认知。

艺术，应该是跟上潮流的，能表现当下社会特定事物的艺术。

艺术，不再是高不可攀的艺术，而是商业的艺术，普罗大众的艺术。

存在即合理，合理才存在。

曲曲折折，迂迂回回的艺术探索中，变得是表现形式，不变的是我们人类对美的追求。

《大话西方艺术史》带我们吃了一顿城乡结合的坝坝宴，自在得来又大快朵颐。

期待这样句句有梗，好玩有趣的书来得更多，让我们的生活处处有梗，粪里开花。