巴勃罗·毕加索毫无疑问是20世纪最著名的艺术家。在其长达75年的艺术生涯中,他创作了数万件艺术作品,包括绘画素描、雕塑、版画等等,对20世纪艺术产生巨大的影响。
习作
巴勃罗·毕加索
《习作》体现了毕加索独特的创作方式,此作浓缩了他在1920年代早期的一系列艺术探索:新古典主义的灵感、奥古斯都雷诺阿的绘画主题和立体主义的探索都出现在同一画面上。这种多变的风格也与毕加索个人在生活上的变化有关: 1918年,他与一年前在罗马相识的俄罗斯舞蹈家奥尔加科克洛瓦结婚,随后他们搬到巴黎波艾蒂路上一片美丽的住宅定居。随后, 1921年2月保罗出生,毕加索初为人父。
乡村舞蹈
巴勃罗-毕加索
在立体主义之后的1917年至1923年,通常被视作毕加索的"古典主义"时期,这时期的作品见证了他对安格尔作品的欣赏和对绘画平面性的肯定。《乡村拜蹈》就展现了毕加索独特的艺术探索--对古典的致敬、引用与革新。
在《乡村舞蹈》中,我们可以看到雷诺阿晚期创作的健壮女性形象对毕加索的影响。为了呼应标题中乡村的朴实风格,两位舞者被描绘得异常壮硕,他们的姿势笨拙,衣服也不合身,尽管如此,依然散发着一种奇特的魅力。
阅读
巴勃罗毕加索
《阅读》出自毕加索1932年为玛丽-特瑞斯·瓦尔代尔创作的一系列标志性肖像画,这是一幅继承了欧洲现代主义绘画中爱情、性和欲望主题的代表作。
传记作家约翰·理查森(John Richardson)将1932年称为毕加索的"奇迹年”,这一年,毕加索不但出版了自己大型编制画册的首卷, 6月还在巴黎的乔治.
佩蒂特画廊举办了首个回顾展。五十岁的毕加索为了准备这场展览,在年初接连快速创作了十八幅作品,其中包括几幅以他的情人玛丽-特瑞斯·瓦尔代尔为模特创作的风格类似的肖像画，画中的沃尔特被塑造成一位有着淡紫色肌肤,略显慵懒的圣母形象,她的脸分成两半,一缕头发优雅地垂在半边脸的一侧。此时,艺术家与妻子奥尔加的关系越发紧张,创作这些充满*欲情**色彩的沃尔特的肖像画成为了艺术家感情的宣泄口。
沃尔特此前在毕加索笔下都是以象征性的静物或隐晦的肖像出现,如《扔石头的女人》。然而只有在毕加索专门为情人定制的绘画语言中,沃尔特的古典美才得到彻底展现。艺术家将鲜亮的互补色、充满*欲情**暗示的物体与姿态共同汇入他对形式的解构中。
吻
巴勃罗·毕加索
1969年10月至12月创作于法国穆然市的《吻》,是艺术家以恋人激情相拥为主题创作的系列作品之一。毕加索在此之前亦曾创作过同主题的作品。不过与早期作品中所展现的简单纯真不同, 1969年的《吻》对主题的呈现更为直接和充满激情。
毕加索于1969年10月26日,也就是自己88岁生日后的第二天开始创作《吻》 ,我们几乎可以将这件作品看作是他对自我存在的一种冥想。
毕加索将面对死亡与身体机能衰退的的感受,转化为男女缠绵情景的狂野描绘。为了应对日渐衰老的沮丧感,艺术家在晚期作品中为自己创作了一系列的化身,例如充满男子气概的火枪手,或者叼着烟斗与女性浪漫邂逅的军官。
在《吻》中,毕加索以他的老朋友--画家亨利卢梭和他妻子约瑟芬的形象代表自己和妻子杰奎琳·洛可。毕加索本人收藏了卢梭的《艺术家与灯自画
像》以及《艺术家的第二任妻子肖像》,这两幅肖像的构图被结合到《吻》之中,展现了"毕加索”式的艺术致敬。与此同时,整个作品弥漫着独属于毕加索的庄严与悲悯之情。
阿维尼翁的少女
巴勃罗毕加索
著名的《阿维尼翁的少女》取材于巴塞罗那一家毕加索早年经常光顾的*院妓**,他曾经将其称之为"我的*院妓**"。
在《阿维尼翁的少女》这幅作品中,毕加索在一个令人毛骨悚然的空间里展示了五位*女妓**。她们看起来咄咄逼人,大胆地盯着观众。这几个女性以截然不同的造型方式出现在画面上,体现了艺术家当时对于女性的复杂看法。正如艺术史家威廉·鲁宾的评论, 《阿维尼翁的少女》的图像语言有两种原型:其一为爱神厄洛斯,其二为死神塔纳托斯。画面正中的两个女人体为正面像,她们的身体较为完整,面孔类似伊比利亚风格的雕塑。这些人体体现着毕加索的古典审美。其他女人体则带有非洲面具的风格,分离的躯体具有侵略性与*力暴**性。
这幅习作对应的是最终画作中右下方女子的头像。
这一女子形象经常被认为体现了毕加索对女性的恐惧,她扭曲而不对称的面孔或许暗示着当时*院妓**中普遍流行的梅毒对皮肤的损害。这种恐惧同时也体现在画面中男性形象的缺失。
《阿维尼翁的少女》的早期构图原本包括一名水手与医学生，本展区的展示的另一幅《男子头像》即是这个水手形象的习作。
树下三人
巴勃罗·毕加索
《树下三人》绘制于一块方形画布之上,这在毕加索的画作中很少见。在这个狂乱的构图中,我们可以辨认出三位女子与树干的剪影。所有的元素都以松散的轮廓与交叉的影线组成。尽管三女子的构图可以追溯至古典艺术中女子野外沐浴或三女神的主题,其模糊的表情却更像是非洲面具。
在《树下三人》中,人物与风景相互融合,大腿变成巨石,头发变成树叶,面孔融入背....一技法上的创新源于保罗塞尚,不过毕加索将更进一步,他对于形式探索的剧烈转向，将为立体主义的到来奠定基础。
小提琴与乐谱
巴勃罗·毕加索
1912年秋,毕加索创作了拼贴画《小提琴与乐谱》。在作品的正中央,观者可以看到一把蓝色琴身的小提琴,两片相同的棕色长方形贴纸代表的是小提琴琴身上的F孔,顶部的三角白色纸片则作为琴颈。小提琴的右上角是一张真正的乐谱。
毕加索选择在这里加入一个直接来自现实世界,没有透过画笔再现,仅仅指向本身的物件--进一步将这件作品与早期的立体主义创作区分开来。
情人
巴勃罗·毕加索
《情人》是立体派后期,也就是被称为综合立体主义时期的代表作。与早期分析立体主义中尖锐、严厉、紧密连接的平面和角度有所不同,这个时期的作品色彩更为明亮大胆,对主题的表现也没有那么抽象。然而,两个时期的艺术作品有着相同的基本原理,毕加索都试图将物体从多个视角分裂成二维平面。
正如标题所示, 《恋人》描绘了一个男人和一个女人在毛绒沙发前拥抱的场景。他们的四肢和身体部位呈倾斜的角度排列。穿着燕尾服的男人从后面抱住女人,女人则穿着正装。他们似乎正在跳舞。
同样值得注意的是,画布右上角潦草地写着"马奈"的字样。暗示了毕加索对这位年长的印象派之父的仰慕之情以及精神上的竞争心理。几年之后,毕加索在看到马奈的名作《草地上的午餐》后,写道"我(告诉)我自己痛苦在前方。"1959年,毕加索还根据马奈的这幅作品创作了几幅自己的版本。
壁炉旁的男人
巴勃罗·毕加索
1908年,毕加索与乔治·布拉克共同创立立体主义,为20世纪的现代艺术奠定了基础。他对"标志物"等符号元素的运用,催生出了立体派作品,如《壁炉旁的男人》。
自画像
巴勃罗·毕加索
《自画像》是毕加索为创作《拿着调色盘的自画像》准备的系列草稿之一。
这幅《自画像》继承了粉色时期的肉粉色调与柔和氛围。然而与之前的作品相比,画中人僵硬而不自然的表情令人联想到古希腊的青年男子雕像。这一转变预示着毕加索创作的全新阶段--立体主义成型期或原始主义时期--的到来。
尽管这幅作品在某种程度上再现了艺术家的外貌与个性,其抽象的特征更接近于毕加索当时着迷的波利尼西亚与伊比利亚风格,尤其是其粗大的脖颈、被放大的耳朵与眼睛、几何形状的鼻子与面具般的面孔。再加上以颜料厚涂出砂岩般色泽的身躯,整个人物形象不由得令人联想到一面插在基座上的古代面具。
艺术史家柯尔克·凡内德认为,毕加索在这幅自画像中"为自己的面相重新赋予青*光春**彩",因为这幅肖像与艺术家15岁时的一张照片有着奇异的相似之处.
母与子
母亲和孩子
巴勃罗·毕加索
毕加索1907年夏于巴黎创作的《母与子》,而这一年,正是他创作出影响二十世纪艺术进程《亚威农少女》的时期。
《母与子》也带着毕加索这一时期沉迷的"面具"一般的面孔,他用简练的笔法,随心地在画中人物身上望造不同形状,塑造出母亲怀抱孩子的这一情景。
通过此作,我们也可以窥见毕加索创作《亚威农少女》时的一些想法。
弹曼陀林的男子
巴勃罗·毕加索
毕加索的《弹曼陀林的男子》是分析立体主义发展至顶峰的代表作。分析立体主义使用的色彩非常有限，包括不同色调的棕色、灰色和黑色。
在作品中,毕加索摒弃了古典主义对色彩与质感的精细要求,作品有些晦涩难懂,而是专注于几何图形与平面之间新的组合关系,主题不再重要,点、线、面的关系成为画面的绝对主角。
在《弹曼陀林的男子》中,我们可以注意到构成主题的密集重叠的三角形和新月形;如果我们不知道标题,将会很难辨认出这幅画的主题。画布底部附近的某些图案让人想起弦乐器上的凸花细工装饰而圆形线条则让人想起乐器的轮廓曲线和音孔。画作上半部分似乎展现了一位曼陀林演奏者,毕加索通过一系列类似躯干和头部的三角形来传达他的形象。
自画像
巴勃罗·毕加索
1901年至1904年,毕加索偏向于使用一种色彩-蓝色,人们把毕加索这一创作时段的作品称之为"毕加索的蓝色时期”,收藏于巴黎毕加索博物馆的《自画像》就是这一时期的代表作之一。
1901年,年仅20岁的毕加索踌躇满志地来到巴黎,一切都很新鲜,毕加索逛遍巴黎的博物馆、美术馆,眼界大开,然而,初涉巴黎的毕加索,无名无分,贫穷开始笼罩着他。与此同时,挚友卡洛斯-卡萨吉马斯自杀也深深地影响了他的艺术创作,毕加素曾回忆: "我在卡萨吉马斯死后,学着以蓝色作画。
忧郁的蓝色时期的自画像,正是毕加索初到巴黎处于人生低潮状态的反映。画中的毕加索,似乎比真实年龄老了20岁。
悲剧
巴勃罗-·毕加索
创作于1903年的《悲剧》 ,是毕加索"蓝色时期"的代表作。当时,初到巴黎的毕加索的画作卖不出去，生活异常艰苦。生活的不顺使毕加索心情低落,也表现在他的画作之中。
《悲剧》描绘的是一家三口的生活困苦、无家可归的悲剧。这是当时西班牙乃至整个欧洲社会动荡生活贫穷落后的悲剧,是世纪交替时期一代人痛苦沉沦在毕加索画作中的表现。
赛乐丝汀娜(患眼緊症的妇人)
巴勃罗·毕加索
《赛乐丝汀娜》创作于蓝色时期尾声。画中老妇人身着深蓝色披风，独自站在纯蓝色的背景前,除了脸颊上的一丝红晕,她的目光没有朝向观众,而是镇定地望向画面的另一侧。"失明"的意象多次出现在蓝色时期的作品中,毕加索不仅以此传达他对边缘群体的关注和同情,同时也是一个与内心视野和创造力相关联的隐喻。
安布鲁瓦兹-沃拉尔像
巴勃罗·毕加索
巴黎艺术经销商安布鲁瓦兹·沃拉尔(AmbroiseVollard, 1866-1939)是现代艺术史上的一个幸运儿。由于经营绘画,他得以接近塞尚、马奈、雷诺阿、德加、罗丹等大师,亲眼看到这些巨人如何蔑视"笨蛋"白痴"怪物"疯子"等谩骂,如何战胜世俗的无知与官方的偏见,取得辉煌的成就;对于当时刚刚崭露头角的毕加索、马蒂斯、夏加尔等新一代巨人,他也有所接触。因此有了毕加索创作的《安布鲁瓦兹沃拉尔像》。