杉本博司是谁？为什么他的摄影作品能拍出全亚洲最高的价格？
首先我们先来看三张作品：
这三幅作品出自他的《海景》系列作品，当然我只是找了他官网的三张照片，这个系列还有很多作品，感兴趣的可以自己去找找看。
当你第一眼看到这三幅作品的时候，你什么感觉呢？你是感觉这啥呀？我也可以呢？还是觉得震撼，牛逼呢？
那我现在告诉：2007年，杉本博司的三幅海景联作在纽约佳士得以188.8万美元的价格拍出了迄今为止亚洲当代摄影的最高价格，当然不一定是这三幅啊。
可能很多人对188.8万美元没有什么概念啊，那我们换算成人民币大概1132万，1132万又是一个什么概念呢？大概就是你可以把世界上从第一台相机发明到现在所有的相机型号都买一遍也不成问题。
那现在再让你看这三幅画，是不是感觉不一样呢？那很多人可能会觉得说看不懂，其实这里就牵扯到一个很重要的问题，那就是如何观看艺术作品的问题？
其实任何能被称为艺术品的作品，都不是你只看作品就能够去理解的，很多时候都需要你去了解时代背景、创作流派以及创作者的人生经历、创作背景以及灵感来源。
当然了这其实是一个很大的话题，我们就不在这篇文章中展开，我们这篇文章主要讲如何看懂杉本博司的《海景》系列作品。
那关于为什么拍摄《海景》这组作品，杉本博司当然有自己的看法和理解，那么我们先不说杉本博司拍摄这组作品的初衷，因为这样其实会扼杀你的想象力。
俗话说一千个人眼中就有一千个哈姆雷特，很多时候艺术品被创作出来之后，我们未必能够了解艺术家真正在思考什么，可是透过他的作品能够引发我们自己对于世界的思考，这才是艺术创作的有意思的地方。
如果艺术作品只能传达出创作者的意图，那么完全没必要那么麻烦了，只需要用文字写出来就可以了。
所以我们先从他的人生经历、创作背景以及灵感来源来聊聊。
那我们都知道，在拍摄《海景》这一组作品的之前，杉本博司一定也拍摄有其他作品，而不是一下子就拍摄出了《海景》系列作品。
那么在摄影圈有一句几乎所有人都耳熟能详的话：“我们不只是用相机拍照，我们带到摄影中去的是我们曾经读过的书、看过的电影、听过的音乐、走过的路，爱过的人。”——安塞尔·亚当斯
所以摄影作品其实就是我们自己的映射，那我们可以先大概了解一下他的人生经历。
杉本博司1948年出生于东京，家中在银座有一个经营不错的美容用品商社“银美”，他的父亲为业余落语家（落语是日本的传统曲艺形式之一，类似于中国的相声或者说书人），并且他是在少数未受空袭轰炸的地区成长起来的。
那说到这里也能看出杉本博司为什么和很多日本二战后摄影师的作品完全不一样，比如细江英公、中平卓马、森山大道等等，其实这很有可能就和童年时候的成长经历、生活环境有关系。
然后在他母亲影响下，进入私立基督教名校立教中学接受西方的油画与雕塑等美术教育。高中时期参加摄影社，喜欢用的相机是MAMIYA6。
基于将来可能继承家业的考虑，大学就读立教大学经济系。那么到这里为止可以看出他最多算是一个摄影爱好者。
但是1970年代正逢日本*运学**风潮，大学毕业的杉本博司没有继承家业的意思，在母亲同意下赴美，同年进入洛杉矶的艺术中心设计学院学习摄影，于1972年毕业。这一段时间算是正式的学习经历。
但是我们会发现他在1976年才发表首组作品“透视画馆”，那么在他毕业之后到拍摄“透视画馆”系列作品之前他都在做些什么呢？
其实他和所有年轻人一样，也是很迷茫的，杉本博司像大部分年轻艺术家一样，仅靠创作没有办法生存下去。他尝试过各种各样的工作，因为他不愿意给摄影家做助手，所以他和妻子决定开一家古玩商店。
那么转折发生在1974他来到纽约，参观了美国自然历史博物馆，在这里他拍摄了后面被称之为“透视画馆”的系列作品。
那么“透视画馆”系列作品到底给杉本博司带来了哪些启发呢？
我们可以先欣赏一下“透视画馆”系列作品：
不知道大家看到这几张照片是什么感受？那我先问大家一个问题：这些照片大家看起来真实不真实？
可以说从画面角度来说是非常真实的，毫无PS痕迹对不对。
但是我们一旦细想就会恍然大悟，这些场景可能真实的在大自然中存在过，但是肯定不是杉本博司亲眼所见然后拍摄下来的。
那这几张照片其实是拍摄于美国自然历史博物馆，也就是说这是拍摄的博物馆里的动物模型。
那我们来看一下杉本博司本人是怎么说的：“1974 年，我第一次来到纽约时，我参观了这座城市的许多旅游景点，美国自然历史博物馆就是其中之一。
在看动物立体模型展的时候，我有一个奇怪的发现：放在画布前的毛绒玩具看起来完全是假的，但是闭着眼睛快速看一眼，所有的透视都消失了，突然看起来很真实。
我找到了一种像照相机一样看世界的方法。即使是假的物体，一旦拍摄，它就和真实的一样。”
那么这一组作品其实可以看作杉本博司的思想启蒙之作，因为他第一次透过摄影，将「时间」与「历史」可视化，变成了他永恒不变的创作主题。
那这句话怎么理解呢？其实很简单，因为历史博物馆的模型展示的是自然进化的一个过程对吧，尤其是你看第一张照片，但是你可以想象，当你在博物馆隔着玻璃去观看这些模型的时候，无论这些模型多么的逼真，你永远会觉得这是假的，就好像你永远都知道你是一个观众。
但是你想象一下，在我没有说这是模型之前，你在看这些照片的时候，你会觉得就好像我是在看真实的大自然中发生的一切一样，对吧。
那这其实就是将「时间」与「历史」变成了一张照片，将「时间」与「历史」可视化。
时间、记忆、梦想以及历史是杉本博司摄影作品永恒的主题。
那么在美国自然历史博物馆拍照片的同时，他另一组照片《剧院，Theaters》系列的灵感也随之而来。
“一个晚上，当我在美国自然历史博物馆拍照片的时候，忽然有一个想法，我问我自己，如果把一整部电影在一张照片上拍摄出来会是什么样？我心里回答说，你会得到一张发光的帆布。为了能实现这个想法，我马上开始实验。一个下午我带着一架大画幅相机来到东部一个很便宜的电影院，电影一开始，我就打开大光圈按下快门。两个小时后电影结束时我闭上光圈并在当天晚上把这张底片冲洗出来，我想像中的画面猛的呈现在我眼前。”—杉本博司。
剧院系列作品欣赏：
那么不知道大家对于这一组作品是什么感受呢？其实如果你能够理解前面说的「时间」与「历史」可视化以及时间、记忆、梦想、历史是杉本博司摄影作品永恒的主题。那么就很容易理解这些作品。
在《影院》系列中，整组照片每一张画面的正中心都是一块方方正正的正方形，这块规整的正方形是一部完整电影的痕迹，是这段时间一种有形的记录。
然而这些痕迹这些时间，它们出现，存在，消失，最终化为一片空白。曾经热闹非凡的电影院，在一部电影终结时，当观众陆陆续续它散去，谈话声消失了，哭笑声消失了，脚步声消失了。
静静的，唯一依然存在的是那*放播**过无数电影的屏幕，仍然残存一丝人体温度的座位和属于影院建筑中的一切，它们见证了时间的流逝。而每一件事物当它经历了时间的侵蚀，岁月的洗礼，它的身上就会承载无数的故事，而每一个故事都会或明显或不明显的改变着事物的本身。
一部电影两个小时左右，杉本博司的《影院》系列照片就记录了这两个小时内发生的历史。
那么接下来就到了杉本博司最著名的作品《海景》系列了。其实通过前面两个作品的解读，相信大家对于杉本博司应该有了一些了解了，那么《海景》系列作品可以看作是他对自己摄影主题的延伸，为什么这么说呢？
那么他拍摄的大海和其他摄影师拍摄的有什么不一样呢？那我们看这些照片大家会发现，杉本博司所有的海景照片几乎都是一分为二，只有水和空气。
牙买加，加勒比海
尽管标题为“牙买加，加勒比海”，但是照片并没有任何地理学的标志，只是光线、空气、水和氛围。
如果摄影师不说，你肯定不知道他拍摄的是哪里的海，那是因为杉本博司拍摄的不是具体的某一片海域，他要拍摄的是海的共性。在强调光线、空气、水这些自然元素时，杉本博司在有形的物体上（也就是大海）加上了观念，将大海回归到其本体的水和空气的状态。
尽管几乎是抽象的几何构成，但是从世界各地的海洋到海洋，大海终于回归了人类未曾触摸的原始状态，也就是水和空气。
杉本博司的海景不再是具体的海景照片，而是一种时间机器捕获的超越现实存在的视觉，那些海的物质如水和空气暗示我们生命的起源。
正如杉本博司所说：水和空气，这些物质是如此普遍，它们几乎不会引起人们的注意——但它们却保证了我们的存在。生命的开始笼罩在神话中：让水和空气在那里。在有光的情况下，从水和空气中自发产生的生命现象，尽管这很容易暗示随机巧合，就像神灵一样。
水和空气就在我们面前的大海中。每次看海，都会有一种平静的安全感，仿佛拜访了我的祖屋。
“我拍摄的是物的历史。在《海景》系列里，我要处理的对象是水和大气。这两样可说是至今为止对人而言变化最少的东西吧。其他世间万物都随岁月的流逝而变化。我的艺术的主题是时间。”
也就是说，杉本博司拍摄的不是海，而是我们的生命起源，这一下其实就把摄影作品上升到了一个很高的高度。就如同哈斯勃兰德摄影奖对杉本博司的评奖评语那样：
“杉本博司是我们这个时代最令人尊重的摄影家之一。他的重要摄影题材都是对艺术、历史、科学与宗教的诠释。他将东方哲学思想与西方文化主旨完美地结合在一起。”
那我们现在知道杉本博司他的人生经历、创作背景以及灵感来源，我们知道他是先拍摄了“透视画馆”、然后在拍摄画馆的时候有了灵感拍摄了“剧院”，再然后才拍摄了“海景”，也就是说他也是在不断丰富自己的思想和观念，并不是一蹴而就。
但是我们要知道人都是社会动物，一个人的思想观念很大程度上也会受到当时社会风气的影响，那么我们在杉本博司的采访中可以发现，他其实是受到观念艺术的影响比较深，那么什么是观念艺术呢？观念艺术其实就是概念艺术，基本概念源于马塞尔·杜尚的思想：一件艺术品从根本上说是艺术家的思想，而不是有形的实物，即绘画和雕塑；有形的实物出自那种思想。也就是说你的作品来源自你的观念，是为你的观念服务的，你是先有了观念，才有了为观念服务的作品，不管是摄影、绘画或者雕塑。观念艺术主张作品所牵涉的概念比作品中的物质/传统美学/所用材料/处理方式等更为重要。观念摄影是阐述想法的摄影，观念摄影最核心的部分是诉说摄影的观点。
观念艺术就是在20世纪60年代中后期出现，并流行于20世纪70年欧美各国的，那么也正是杉本博司创作的年代。也就说杉本博司算是观念摄影这个流派的。
而且我认为关于观念艺术最好的诠释其实就是马塞尔·杜尚：一生都在追求自由，真正心灵的自由。
那么最后我的摄影课程第三期正在招生中，感兴趣的朋友可以了解一下哦！
下面来讲解一下我的摄影培训计划。
我的摄影培训分为基础班和进阶班，为什么非要这样做呢？
对于摄影来说，大部分人可能自学过，看过一些网络上的教程，但是都没有一个正确的学习方法和路径，可能东一棒槌西一榔头的在学习摄影，所以很容易被别人误导，摄影不是一门玄学，他是可以像学习绘画一样，通过正确的方法，然后经过实践，是有一条路径去学习的。
而我的基础班就是针对摄影爱好者，不仅仅只是交给你摄影知识，更重要的是提供给你一个科学的学习方法，让你结束了基础课程之后，如果不想学习进阶课程，也是可以通过我基础课的内容去自学的。重点是基础课也不是你们想的那么简单，是脱胎于专业的摄影知识，只不过进行了简化。因为如果一开始你就学习进阶课程，效果往往不会那么好，比如我一张照片处理好几个小时，你一个初学者，第一不可能有那个耐心，第二也不具备这样的能力。
对于很多摄影爱好者，但是并不能够通过摄影来赚钱，然后可能对自己的要求其实相对来说也没有那么高。购买相机买电脑等等花费已经不小了，如果在学习的时候还要花费很高的价格可能就不想去学习了。
所以我基础课的收费就很便宜，就是不想一些摄影爱好者因为小钱而错过了学习的机会，当然了你可以自学，其实是没问题的，但是如果你不是学习美术或者设计或者艺术相关的同学，我真的不太建议自学，因为效率低下而且没有正确的方法很容易走弯路，浪费大量时间。
我的基础课的优点在于：
其他人很多课程都是录制好的或者上课都是固定的一些课件例子来讲解，这样其实学起来效果并不好，因为你以为你听懂了，但是其实你去自己做的时候往往又没有思路了，学习摄影重要的还是实践，而我的基础课结合我多年的学习经验，以及我参加商业插画学习和我的教学经验，通过每天上课，并且每天针对上课的内容布置作业，让你带着明确目的的拍一张照片，并且通过点评的方式来帮助你提高审美，拍出好看的照片，而且不限相机手机，可以说是手把手的教你学习摄影。
大概我的一个培训体系就这样。别的我不太想说太多，如果认可我并且觉得价格合适的话可以找我学习，如果觉得不合适就看我的免费出的教程就行，我不太喜欢去劝别人来报我的教程，这样有点掉价，一般找我报名的我都会跟他说的明明白白，而且有时候觉得不适合我的教程的我都会拒绝！
那么基础课和进阶课有什么区别？
基础课更加偏向于前期而进阶课更加偏向于后期，这是他们最大的不同。进阶课是更加系统专业的后期处理流程的学习。
最后关于基础课的疑问解答。
1:在哪里上课
咱们是通过微信群来上课
2:上课方式
会通过文字、语音、图片、视频等不同的形式来上课，通过理论与实践相结合，课后作业点评来让每个人清楚的知道自己作品的问题。
每天布置一张作业，让你带着训练目的的拍一张照片，并且点评的方式来帮助大家提高审美，拍出好看的照片，不限相机手机。为了保证质量，会限制人数，只要够10个人我们就开课， 相比于其他的摄影师动辄几百号人的那种闲聊摄影群来说，我的群严格控制人数，不是那种先让你免费进去，然后再慢慢去推销自己的课程的。
而且讲课的内容也会一直保留在群里，方便你可以随时观看。
3:什么样的人适合加入群里学习呢？
自己学习了一段时间但是一直没有进步，找不到学习的方向，不知道该怎么进步的人比较适合
4:那你的学习群贵吗
意想不到的便宜，相对于我对学习群的付出，这点回报根本是成正比的，所以我不喜欢和别人墨迹，我更希望你能看过我出的教程之后，认可我的实力，再来咨询我，别浪费互相的时间
5:摄影群学习多长时间呢
21天，足够让你养成一个好习惯了，一想到花了这么长时间才收这么点费用，我都感觉对不起我自己，但是看到学员拍出好看的照片精神上很满足 6:那摄影群讲什么东西呢？大家可以看一下上课目录：
因为讲的东西太多了，没办法一一告诉你。重点是，我会用正确的学习摄影的方法来一步一步的训练你，这是最重要的
6:什么样的人不适合这个摄影群呢
那种认为别人应该无偿花费时间、精力和自己的技能来帮助自己的人，这种人就别来打扰我了，天下没有免费的午餐，你如果要想加那种免费的群，其他地方有的是。
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