说起动漫，你大概会想起谁？
儿子如数家珍地背着印象深刻的屏幕印象：超人、美国队长、蝙蝠侠等，十个指头数不过来。
确实，他小的时候看过不少，也很仰慕这些“超级英雄”。常常拿着电影海报开始临摹，仿佛要把心目中那个英雄的梦想渲泻于纸上，这也逐渐养成了爱好画画的好习惯。
记得当时每次看完片子之后他都会问一些问题，比如蜘蛛侠为什么是蜘蛛？超人怎么会飞，这个点子是谁想出来的？未来战士以后真的会有吗？。。。。。。
反正当时我也是仅凭自己的知识去尽力回答他脑子里冒出来的奇奇怪怪的若干问题。不知道长大之后的他，会不会笑我在那里胡乱答疑。
有一个问题我印象十分深刻。这个问题是：这些人物是如何创作出来的？我当时的回答是，伟大的创意家们“灵光乍现”吧，把自己的想法画出来，这些人物大概就是这样产生的吧。
在十岁的孩子看来，这样的回答也许就够了。虽然我还是有些心虚，但是如果他再多问几个为什么，我会不会心里骂到，这熊孩子，专挑刁钻的问题问老妈。
虽然一直从事广告媒体业的我，对创意流程还是略知一二的。但是对于动漫人物的创造创新真的还只是一个小白。
所以，虽然事隔多年，但是为了弥补这个小小的遗憾，就选择了《幕后—探访世界级漫画家工作室》来读，想看看这些创造了世界闻名动漫人物的创新工作者他们是如何工作的？
这本书以访谈的形式，讲述了18位顶级漫画家的工作和生活，包括日常作息、工作室的氛围与布置、甚至一张完美的动漫画是怎么样在他们手上完成的？等等，写的很详细，就好像几位老朋友对坐谈心，大家一人一瓶啤酒，漫不轻心地喝着、聊着。
如果可以带着孩子们一起看，他们一定觉得很神奇，原来漫画是这样画的。对于想学漫画的孩子们，也算是启蒙书，了解创作过程，也好有充足的思想准备。
这18位艺术家是漫画界响当当的人物，他们创造的漫画人物都非常有名。
事实上，“创作”是蛮有个性的一件事。虽然很多人知道创作很难，但是因为它具有神秘感，而且会带来巨大的成就感，因此他们沉迷于此，十分热爱。总结了三个方面给大家分享我在书中的收获。
第一、 他们的生活方式并没有想象的那么光鲜亮丽，绝大多数时候都在埋头苦干 。
本书中采访的第一位漫画家是拉斐尔·阿尔布开克。
他是一位巴西画师。著名的《蓝甲虫》《蝙蝠女：重生》都出自他的手。
他的作品风格是画面是由松散、特殊的线条构成。
拉斐尔是个工作十分有规律的画师，他说他每天会很早去工作室，直到晚上才走，我尽量能画多少页就画多少页。一般而言，他会给自己设定很清晰的目标，如果说给自己设定了一天画两页的工作量，那无论如何，无论多晚，他一定会把它完成掉。
画师、设计这样的职业，很容易被人看成是天马行空，不拘小节，没有时间观念的工作。但是如果想出好的成绩，想创造杰出的作品，没有目标意识，不牺牲自己时间，是肯定做不到的。
来自英国的劳伦斯·坎贝尔，也是知名漫画公司漫威旗下的有名画师。他参与了《金刚狼》《月光骑士》等项目。他粗犷的黑白画风受到好评。
劳伦斯一周工作6天，一周顶多只有一天的休息时间，这么多年从未间断过。从早晨9点开始工作，青年时连续工作数个小时是常态，年纪大了之后才把晚上工作的时间调到了七八点结束。
也许，专注是成为一个专家的首要特质。十年，甚至几十年如一日，每天都做着相同的工作，并且保持高度的热情和冷静的头脑。
在书中，很多大师亦如此。
第二、 他们的工作流程也并没有想像的那么简单，大多数时间他们会在传统与现代之间使劲切换，为了确保一张完美的漫画创意。
我们一起来看看劳伦斯·坎贝尔的创作流程。
劳伦斯说，通常我会抛出四五个创意，用非常潦草的方式将其画出来，然后发给编辑，和编辑商讨敲定其中一个，这样会节约很多时间。
构思完成之后，要把所有需要的元素融入封面设计里，这个有点花时间，因为画面的布局也很重要。
然后，才是画。如果前两步很顺利，最后画就很简单了。
如果是绘制系列封面，通常劳伦斯接到任务之后，先选择休息一下，然后一口气把整个系列画完。
他说，自己是个沉浸式创作的人，一旦开始，就想着如何快速的完成。也只有完成了当下的任务，才会花心思去思考其他的事情。
劳伦斯画内页时，首先先做缩略图。理想情况下，会花上4-7天来规划整期的内容。他强调规划是十分重要的，做好规划会让自己画起来更流畅。
然后把规划好的缩略图扫描进电脑，放大到正常漫画页面的尺寸，把他们找印出来；准备好所需的所有的参考资料，就开始画了。
他的铅笔稿画完成之后，还有上墨线这个“大工程”。
再聊到画稿是在纸上画，还是在电脑上画时？
劳伦斯说，在缩略图阶段，每页的样式都已经在自己的脑海中成形，所以画的时候会在纸上画。但是如果出现错误的地方，自己会在画上粘一块补丁，而不是用电脑上的软件去修改。
上面提到，一旦缩略图成型，会扫描进电脑。所以劳伦斯的作画方式偏传统多一些，用电脑少一点。
戴夫·约翰逊，是美国画师，他曾获得艾森纳奖最佳封面画师奖，他的作品活力四射，在谈他用哪种方法绘画时，他的线稿和墨线是用传统的方法，但上色是用数字化的绘制。
书中有位“色盲”画师蒂姆·塞尔，他对彩色没有辨识能力，但他以黑白漫画著名于业界。他说如今的计算机技术对许多有才华的上色画师来说大有裨益，尤其是在水墨画方面，在某种程度上，使用稀释后的水墨溶液和水彩颜料很像，将画稿扫描后，并使用电脑上色，看起来就会像是彩绘。
从本书采访的18位大师来看，由于计算机的发达程度不同，他们的工作偏传统的居多，但是他们并没有封闭自己，而且各自根据自己的需求来选择性运用软件，以达成保证效果和效率提升的目的。学习并拥抱新技术，与时俱进的运用，看来是每个行业颠扑不破的真理了。
在现代创作行业中，用板绘的小伙伴还是越来越多了，也许是因为他们很早就接触到了电脑画画，他们也称之为“鼠画”。
但是这个行业目前最大的要求，无论是手绘还是“鼠画”都离不开原创。创意，是漫画的灵魂。
第三、 他们把自己当成一个平凡的人，只是一个热爱漫画的人，但他们可以把生活当作汲取灵感的源泉。
在本书中，每位画师都回答了一个平实的话题：“你是如何规划家庭生活与工作的呢？”。
绝大多数的画师的回答是，他们都需要兼顾照顾孩子和家庭。他们有的把工作室和家安排在一起，既可以照顾家人又可以工作。
总的来讲，他们并没有因为自己从事画师这样的职业，就感觉高人一等，也没有以创作为借口，过着追求光怪陆离的莫名生活。
做为一个平凡人，他们也有想逃避画画的时候，因为没了灵感，想不出来创意。
更多的画师选择从生活中汲取灵感。
肖恩·马丁布罗原来是位墨线师，后来创作蝙蝠侠而出名，他说在自己绘画时会听音乐，因为音乐中的激情和灵魂有助于自己去刻画角色的表情和情感。音乐也可以帮助自己振作精神，还可以带来创意。
丹·帕诺辛，是《功夫熊猫》的原设计画师，他几乎参与了每一位漫威主要人物的绘制，包括有美国队长、X战警等。他说他的灵感离他只有几步之遥，因为在他的工作室里摆了一个大大的书架，以及许多的刀和剑，还有一个老式的旋转漫画架，还有画架。。。。
这些都是可以给他灵感的物件。
本书收录的唯一女画师是波西·西蒙兹，她以给报纸画插画而闻名。对于汲取灵感，她认为书是她的好助手，在没有网络搜集
的时代，她买大量的书做参考。特别是杂志，她说自己对杂志毫无免疫力，自己收藏了上百种的杂志，大约是从20世纪五六十年*开代**始。她是从杂志中获取创意。
他们中的绝大多数，都离不开孩子、家庭、生活，更离不开书和音乐。没有什么特别的地方，但这恰恰说明了，他们的伟大作品是建立在日常细微的学习与生活之中的。
看完这本书，脑海里有一个词“安静”。
虽然世界很多著名的漫画人物出自这些大师之手，但是从书里眼见的是他们的平和，他们的努力，甚至是他们日以继夜的工作。
人的天赋就象火花，它既可以熄灭，也可以燃烧起来。而逼使它燃烧成熊熊大火的方法只有一个，就是劳动，再劳动。——高尔基