<——前言——>
当今社会电影已经成为人们娱乐生活中不可或缺的一部分。在众多电影流派中不同类型和流派的电影对观众吸引力不尽相同。
情景剧作为其中的一种形式，是通过将情感和思想转化为视觉艺术元素来传达信息的一个重要方式，本文将探讨情景剧的历史和发展，以及它在观众与电影之间建立情感联系方面扮演的角色。
<——电影类型与明星体系的双重作用——>
当投资者愿意冒险做出某个项目，相信公众会对此感兴趣并支持的时候，他们通常会获得比那些花费大量资金雇佣知名演员的投资者更高的回报。
例如《综艺》杂志列出的历史票房最高的影片《ET外星人》、《星球大战三部曲》、《蝙蝠侠》、《小鬼当家》、《捉鬼敢死队》、《大白鲨》和《印第安纳琼斯三部曲》等影片。
这些影片的共同点就是没有用到很多知名演员（除了哈里森·福特在《星球大战》时还不出名，以及杰克·尼科尔森在《蝙蝠侠》中扮演了一个次要角色）。
也就是说知名演员并不是必须的，但好莱坞、媒体和电影观众似乎一直无法割舍他们。
近100年来好莱坞最大的吸引力一直是明星和故事。 观众们看到的是吉尔曼·吉姆·科贝特、玛丽·皮克福德、格里塔·加尔博、克拉克·盖博尔、约翰·韦恩、罗伯特·雷德福、芭芭拉·史翠珊、埃迪·墨菲、阿诺·施瓦辛格等人。
在某种程度上明星创造了故事，明星们以其个性的力量推动故事向前发展。明星和故事更多时候都是“合作”的：明星以扮演的角色和编剧提供的故事模式来建立自己的银幕形象；虚构的角色和故事在个体明星的身上得以生动呈现。
但是明星给观众带来的乐趣一直是独特的，因为它始终依赖于观众认识到明星与他或她所扮演的角色之间的区别。
与小说不同，小说中没有只有角色这样的区别，电影永远无法将明星完全塑造成一个角色。我们对明星的喜爱来自于我们对他们作为表演者的欣赏，来自于明星和角色之间的相互作用。
具有讽刺意味的是，为了被明星所吸引我们必须完全意识到明星背后的本质人为制造的艺术性。
电影类型可以进一步细分为主要类型内的更具体的子类型或分类。譬如好莱坞的恐怖电影可以分为吸血鬼、疯狂医生、邪恶孩子电影等具体类型。
同样喜剧片可以分类为闹剧、浪漫、搞笑等子类型。这些子类型有助于更精确地描述电影的类型和特征，使观众更容易选择想观看的电影类型。
电影类型对于本来不稳定的电影产业起到了稳定作用 ，电影制作非常昂贵，以1991年为例，此时的电影成本处于亏本状态。
即在制作电影底片、印刷或昂贵的广告和分销支出之前制作完成的成本略高于2600万美元，相较于1950年的平均负成本约为110万美元。
另外1991年的营销、广告和印刷成本平均额外增加了2400到2500万美元。行业分析师估计，无论是在1950年还是1991年制作任何一部电影要想实现成本收支平衡，都必须赚取大约两到三倍的负成本。
考虑到这些成本电影制片商在每次制作电影时都面临巨大的风险，这些风险由电影产品的本质所增加。
与其他消费品不同，这些消费品很大程度上依赖于品牌认可度来吸引市场，而电影本质上是独特的产品，每部电影必然与其他所有电影不同，具有更或少独特的故事和演员阵容。
因此每一部电影都是一个未知因素；其制片人不能保证它在票房上会盈利，因为它没有像其他消费品一样在市场上具有“品牌”地位。
明星体系和流派体系试图弥补这个过程中涉及的风险，它们帮助制片人规避在每次电影制作中的未知因素和变数。
<——电影流派的发展趋势——>
电影被看做是艺术和娱乐形式与其他消费品不同的是没有实际使用价值，观众只能带回一段记忆，在美国电影产业中流派系统被用来控制娱乐市场，就像品牌名称对于耐用品消费者的控制方式一样.
电影流派是由市场上一些独特电影的成功带来的结果 ，某个特定类型电影的票房成功会导致制作另一部在情节和角色类型方面类似的电影。
电影产业认为观众看过早期的电影之后会回来看相似类型的电影。这在20世纪60年代、70年代和80年代的许多票房大片中最为明显，所以很多电影就出现了前传或者是续集。
因此1962年上映的第一部詹姆斯·邦德电影《007：诺博士》取得了非凡的盈利，导致了其他类似的电影接踵而至。
这也解释了20世纪70年代和80年代的一系列电影，《教父》、《大白鲨》、《洛基》、《星球大战》、《超人》、《星际迷航》、《印第安纳·琼斯》等。
在更传统的流派概念方面，一部"灾难"电影的财务成功，如1970年的《机场》，直接导致了其他灾难电影的制作，如1974年的《翻转大厦》和《地震》。
特定流派的电影通常会引用一组或多组固定的角色和故事类型、场景和情节、服装和道具、主题和视觉符号以及该特定流派其他电影所共有的惯例。
例如西部片通常包含某些角色类型，如牛仔、城镇警长、印第安人、舞厅女郎、女教师、骑兵军官、酒馆老板、印第安代理、赌徒、牛仔盗贼等，他们在穿着、使用道具、行为方式以及所处情境方面都能够轻易地被识别出来。
这些电影通常设定在西部地区并呈现出一些特定类型的风景或背景，包括广袤的大平原、落基山脉、贫瘠荒漠、牛仔牧场、工棚和边境城镇。
在该流派中的新电影将依赖于许多熟悉的流派元素、主题和动机，但会以一种新颖的方式将它们结合起来。
观众对流派电影的吸引力在于期望看到一部与他们过去所看过且喜欢的电影相似的电影，他们被吸引到这个流派，就像被品牌产品所吸引一样。
但观众也被看到一部与以前所看过的电影有所不同的电影的前景所吸引。 因此流派系统依赖于熟悉和陌生之间的结合，传统和新颖之间的结合，相似和不同之间的结合。
该系统利用流派的基本元素来在观众中产生一定的期望，但也会适应、修改或玩弄那些约定俗成的元素，以提供观众独特的娱乐体验。
不同的电影流派对于理解古典好莱坞电影非常重要，因为它们涵盖了很多年的电影制作和大量的电影。同时每个流派都在一定程度上塑造了和被塑造了我们对美国文化、性格和身份认同的理解。
<——情景剧从无声到有声的艺术转变——>
情景剧最早起源于18世纪，这个词指的是伴随音乐演出的剧情。这个词最早是由卢梭在1770年提出，用来描述他创作的一种戏剧独白名为《皮格马利翁》，交替运用演讲、哑剧和音乐表达情节。
19世纪70年代和80年代在法国，情景剧的兴起可以追溯到皇家垄断，由正式批准的古典剧目公司如法国喜剧院持有，授予他们独家权利上演“言语”戏剧。
次要的剧团只能使用非语言的戏剧形式，比如杂技或杂技表演、芭蕾舞、木偶戏和哑剧。马塞尔·卡尔内的电影《天堂之子》生动描绘了这种以狂欢般的街头戏剧和哑剧表演为基础的流行传统。
1789年法国大革命后，这种“言语垄断”结束了，所有的剧团都可以使用语言了。但即使是现在，虽然戏剧可以充分使用对话，它们也从未失去在非语言层面上进行交流的能力。
剧场戏剧最初没有声音但完美地掌握了视觉表达艺术，将思想和情感转化为手势、服装、布景和场景中的其他元素，它发现了如何用非语言方式表达所有内容。
情景剧甚至发展出了自己的手语。它从古典戏剧中借鉴表演技巧，制定了一套手势和手部动作系统，随后由法国学者弗朗索瓦·德尔萨特记录和归档。
与此同时情景剧通过改变传统的场景，试图从中提取更大的表现力，将行动在特别重要的时刻冻结成一幅画。
在一幅画里经常出现在幕间休息时，演员们假装处于一个特别具有启示性和特色的位置，然后保持几个瞬间，试图强调或概括剧情、感情或观众对想法的理解，情节剧在纯粹的情感层面发挥作用，将其戏剧基础扎根于跨越所有语言障碍的共同情感基础中。
即使是现代电影情节剧，比如科幻煽情片《E.T.外星人》，电影的核心仍然在于E.T.那双大大的、富有表现力的眼睛和令人心醉神迷的面部动作，而不是任何人说的话。
在另一部史蒂文·斯皮尔伯格的电影《第三类接触》中，人类和外星人之间的交流完全是在情感层面上进行的——通过五个音乐音调，E.T.将他的讲话推向了超越原始阶段的境地。
但当使用语言时例如“E.T. 电话 回家!”这样的短语，它们往往是极为简洁和基本的，几乎是非言语的。E.T.的讲话忽略了已经确立的语言约定和语法规则，他从内心深处直接表达。
这些半口齿不清的声明的表现力在很大程度上源于它们孩子般的简单性——源于这个外星人无法用语言表达背后复杂意愿的无能，这就是情节剧的说话风格。
19世纪时情景剧作为一种面向中产阶级的戏剧形式非常受欢迎，并能够通过视觉手段传达关键的戏剧信息，因此成为了无声电影的理想形式。
几乎每一部无声电影，包括查理·卓别林和巴斯特·基顿的闹剧喜剧，都可以在某种程度上被看作是情景剧。
在19世纪20年代行业媒体通常将大多数电影描述为情景剧。有浪漫情景剧、家庭情景剧、乡村情景剧、西部情景剧、社会学情景剧、犯罪情景剧、社会情景剧、神秘情景剧、黑帮情景剧以及普通情景剧。
如果故事或情境不是基于情景剧，那么至少表演或场景必须是这样，才能在没有对话的情况下传达思想和感情。
<——作者观点——>
尽管情景剧成功地在20世纪20年代从无声电影过渡到有声电影，但无声情景剧在许多方面代表了情景剧最纯粹和最有力的冲动。
情景剧作为一种戏剧形式和电影类型，通过其视觉性和能够传递关键信息的能力，在历史上占据了重要地位。
情景剧为无声电影的兴起提供了理想的平台，并且在20世纪20年代的有声电影时代仍然保持着影响力，虽然情景剧的定义和表现形式可能已经发生了变化，但它与电影的渊源将永远是不可分割的一部分。