Anish Kapoor - exhibition view at Gallerie dell’Accademia, Venice, 2022
“
我们的工作就是允许不成熟的想法，不成熟的成就。在当今的艺术世界，市场已经接管了一切。我们必须提醒自己，我们不是商品的制造者。
”
——安尼什·卡普尔 Anish Karpoor
作为一个在如今国际当代艺术界影响力极大的艺术家，卡普尔一直在践行着他以上作为艺术家的准则，一如今年威尼斯双年展上他的平行展——走进威尼斯艺术学院画廊和曼弗林宫的卡普尔个展现场，没有让人愉悦的视觉和让人轻松的感受，要么大面积的耀眼猩红色让你甚至感到恶心，要么是深邃到仿佛要将你吞噬的万塔黑，还有虚空到感觉快消失的白……
Anish Kapoor,《我心中的怀孕白》“Pregnant White Within Me”, 2022
视觉的冲击和思考的深度，会让人的灵魂为之一颤。
我们先来感受一下他的“红”。
在曼弗林宫的入口处，观者会发现卡普尔的《在犹太区门口的摩利亚山》与古典柱子对话。一旦进入室内，一系列的房间展示了艺术家职业生涯中所有的作品，比如肉色的三联画《三个部分的内部物体》(2013 - 2015)等。
Anish Kapoor, 《在犹太区门口的摩利亚山》Mount Moriah at the Gate of the Ghetto, 2022
Anish Kapoor, 《粉色三联画肖像》Portrait of Pink triptych, 2019
天堂、地狱、大地和海洋在《水成镜，血成天》和《Destierro》(2017)等作品中被引用，而在包括《像炸鱼一样一分为二》在内的许多作品中，明显地提到了外阴和阴道，切合了本次威尼斯双年展的风向——女性为主。
《水成镜，血成天》Turning Water into Mirror, Blood into Sky, 2003.
Anish Kapoor, Destierro, 2017
Anish Kapoor, 《像炸鱼一样一分为二》Split In Two Like a Fish For Frying, 2022
与此同时，中央装置作品《为深爱太阳而起的交响乐》(Symphony for a Beloved Sun, 2013)将这个历史场所淹没在原始色彩和生与死的东西之中。
Anish Kapoor，《为深爱太阳而起的交响乐》Symphony for a Beloved Sun, 2013
策展人、艺术历史学家塔可·迪比茨(Taco Dibbits)表示，卡普尔创造的作品是我们体验时发生的事情。在学院画廊和曼弗林宫的所有展览空间中，都有过程和时间的展示和行动。 这些作品以一种不断变化的状态存在着，观者被邀请去见证它们在一个瞬间的生成或退化。
红蜡的使用是卡普尔艺术生涯十分重要的一部分，它唤起了人们对肉体及其升华再变形的联想。那些血色翻涌的红，让人第一眼就产生了严重的不适感，而这种不适感反而促使我们去进一步探寻：它究竟是什么，为何呈现这种状态，这红色背后发生了什么，掩盖了什么？
像《射向角落》，在这件作品诞生之初，卡普尔就表示，
“ 我向墙脚射击，突然，一些别的事发生了。我意识到，我在上演一出戏剧性事件—— 杜尚 雌雄同体实验 （杜尚，被誉为“现代艺术的守护神”，雌雄同体是要把注重理性的“男性思维”和注重感性的“女性思维”融合在一起，通过这种阴阳对峙和并存的的方式突破自我的壳的局限，到达开悟和无我的状态） 。
首先在这个空间的基础上，墙脚是我们的舞台，我们第一眼就可以用女性的直觉感去解读这个作品，一个神经质的戏剧性事件，一个相当杰克逊·波洛克式的血色精神事件，我更斗胆说 弗朗西斯科·戈雅 也离我们不远了（ 戈雅，浪漫主义画派，著名“战争”系列画作）。
”
Anish Kapoor, 《射向角落》Shooting into the Corner, 2008-2009
卡普尔这件作品也是在向Hermann Nitsch——奥地利前卫艺术家，号称血腥的邪典之父致敬 （找时间无艺来跟大家聊聊这位“邪门”的艺术家） 。
至于我们每个人能从这些炮击和散落的“血块”中感受到什么，因人而异——是谁被装在了炮筒中，谁变成了牺牲品，染透了整个空间，是谁成了被瞄准的目标，又是谁主导了这些事情的发生……不尽于此。
“血肉”模糊，四下飞溅，卡普尔给我们带来了并不美好的视觉想象，残酷、疯狂、恐怖。但你纵览展览的过程，积累和沉淀了感受、历史、回忆、思考，就是这个作品在“生长”的过程。
当你感觉自己的双眼已经被红色染透的时候，用万塔黑创作堪称人类历史上“最黑”的艺术作品，又一瞬间会让你从血脉翻涌瞬间冷静下来，就像被吸进了另外一个空间一样。
Anish Kapoor - exhibition view at Gallerie dell’Accademia, Venice, 2022
万塔黑（Vantablack）是2014年英国一家公司研发出的特殊材质，由数百万个纳米级的微小碳管组成，大量微小的碳管可以吸收高达99.965%照射其上的可见光，由此成为一个有形的“黑洞”。
据悉，这种材料被研究出来的初衷是用作军事方面的隐形涂料，但卡普尔得知这个消息后大为兴奋。他表示,“万塔黑”拥有一种不真实的效果，而他“一向被异乎寻常的材料所吸引”。
Anish Kapoor, 《虚空之亭V》Void Pavillion V (2018)
这种强烈的黑色的使用延续了卡普尔对存在和非存在概念的长期兴趣。卡普尔结合威尼斯艺术学院的收藏谈到：文艺复兴时期有两个伟大的发现——透视法和折叠法。它们都给人一种纵深的错觉，而对织物的折叠描绘，作为人类肉体的特征，给人一种生命或存在的错觉。使用“卡普尔黑”技术去除折叠、折痕，任何3D或“存在”的暗示。
“
绘画是给物体以表象。
我一直在让物体消失。
”
没错，卡普尔在使用这种材质去达到自己的目的的同时，还给“万塔黑”冠名了。他或许就想像“克莱因蓝”那样，在世界艺术史上留下浓墨重彩的一笔黑。
但高价购买“万塔黑”在艺术领域的独家使用权——也就是说，除了卡普尔本人，其他艺术家都不能使用这种材料用于艺术创作。这样的做法引起了许多艺术家的不满，比如艺术家斯图尔特·森普尔(Stuart Semple)宣称，他将向任何能够明确证明自己不是卡普尔的人提供世界上“最粉的粉”。
卡普尔的回应也很有趣，他不知道从哪弄到了一些“最粉的粉”，将中指浸入其中，并在网上发布了一张图片，标题为“ Up yours #pink ”。
这些作品之外的故事，并不影响我们沉浸到卡普尔的黑暗世界当中，在那里，或许你看到的是恐惧、张狂，是悲伤、抑郁，也有可能是宁静、虚无……这一切感受的主宰者，是观者自己。
卡普尔只是艺术创作者，他只管将自己的所见所闻、所思所想、所识所感以一种“自我”的方式、自由的形式呈现出来。
《母亲是一座山》Mother as a Mountain (1985). Part of the Accademia
Anish Kapoor - exhibition view at Gallerie dell’Accademia, Venice, 2022.
对于自己的灵感、创作和作品，无艺则很喜欢他2015年在 Hirshhorn 的演讲中的一段话：
“
我觉得有趣的是，如果你幸运的话，那么，一个愚蠢的想法就会产生一个不那么蠢、不那么糟糕的结果。
我们都受过良好的教育，我们都被告知什么是好的，如何做一个好人等等……这些都没问题。但是，作为一个艺术家，这些不是你需要的。 你想要做好（的作品），那么有些时候你需要给自己“降智” ，你要到处去一些别的地方，那些最蠢笨的想法往往就是最好的创意。人们常说艺术家有时候像傻子是不无道理的，有时候艺术家偶然步入了一个深层次的真理之中，但他们却根本不知道自己是如何接近那里的。我认为这就是我们（创作）的方式，这就是为什么我们需要（不断地）去实践。
我每天在工作室不停地实践，我不是为了做出什么东西，我其实没有什么想法，真的， 我只是去做，就像我们每个人一样。 也许有些时候某些东西就这样产生了。
”