什么是当代艺术？
顾名思义，当代艺术指的是“在当代社会中产生，发⽣在当下的艺术”。因其发⽣在当下，当代艺术在创作的过程中，必然会反应当下所发生的社会事件，当今人类的精神状态，审美好恶。
当代艺术的源头，可以追溯到1917年，杜尚用小便池创作的《泉》。《泉》的出现，为后来的当代艺术家们指明了方向——艺术可以是任何“东西”。只要这个“东西”承载了艺术家的意识形态，它就可以是艺术品。
现成品成为艺术品，杜尚不仅打破了艺术与日常生活的界限，还改变了观看日常之物视角，为习以为常的事物注入了新的生命。杜尚提倡的⼀种“绝对⾃由“的艺术哲学，使艺术从此只为表现和证明它的亲⽣⽗⺟——艺术家的理念⽽存在。艺术的面貌发生了翻天覆地的变化，当代艺术的时代由此开始。
《构图4号》，康定斯基作，1911年，布面油画，95x128厘米，伦敦，泰特画廊藏。
怎么理解当代艺术？
提起当代艺术，很多看过的人都会嘲笑当代艺术：荒谬、可笑、匪夷所思、不知所云，毫无技巧可言。甚至有许多专家也认为当代艺术：“当代艺术枯燥乏味”“它不能引发审美感受”“它毫无内容”“没有审美标准可以适用于这些乱七八糟的东西”……
要评价一个事物的价值，就要把它放在一定的时空当中，看它在当时的时空中，起到了什么样的作用。实际上，要评价当代艺术，页要把它放在艺术史的长河中去审视。纵观西方艺术史，从文艺复兴到启蒙运动，每一次转变或发展都是一次艺术运动。而每一次艺术运动，基本上都是当下对之前的艺术的质疑和否定，新的艺术形态，也正是通过质疑和否定得以确立。
在20世纪初，因为受第一次世界大战的影响，传统的古典艺术，精英审美开始遭到质疑和否定。日常之物、普通素人开始成为艺术家反精致，反古典的*器武**，甚至，有的艺术家用最极端的方式发出抗议，让人们警醒、反思和顿悟。当代艺术正是以一种隐晦的的、隐喻的方式对社会进行批判，甚至是颠覆，从而最大限度唤醒人们对人性异化的反思。
“当代艺术常常是提出一个问题，而非直接抛给人们一个答案，它一直是在挑战传统艺术的边界，是对传统美学态度的反叛。在传统的认知中，人们认为艺术应该是传递美的，但是它同时还具有反映它的时代，它的潮流，它的道德和情绪的责任。
从后现代主义之后，艺术家们其实是更多地着眼于当下的生活，想要通过新的技术、新的语言、新的手法来表达和再现这个世界，渴望参与到各个领域中以艺术的方式进行对现实问题及人类生存问题的探讨。表面上看它好像离我们的生活越来越远，实际上是更加密切了，更加需要人们的参与和互动，因为观众的反馈也是当代艺术的一部分。”
因为当代艺术的创作，很多时候是个人思想的表达，而这种个体化的表达，很容易让欣赏的人在观看的时候，不知道从何入手，没有默认的背景知识，会让观者觉得莫名其妙，产生无法欣赏的观感。
所以，有时候，我们读不懂当代艺术，只是因为我们不知道，艺术家是在什么样的情境下创造出来的作品。没有了艺术家创作作品的背景，又没有约定俗成的规则，很多看起来平常的物件，就失去了它在特定语境下的含义，也就使得很多人误解了当代艺术。
我们可以质疑当代艺术，也可以试着理解当代艺术，最重要的是，让自己试着去体验和思考。
当代艺术危机的背景：
①市场危机以及当代艺术因为贬值而遭受怀疑；
20世纪90年代，投机泡沫破灭后，艺术作品的价格一落千丈，交易量大幅萎缩，许多画廊也面临关门停业危机，作品的收藏家数量锐减，艺术圈逐渐步入衰退期。
②机构领导人、行会主义和模仿；
大规模的国家干预政策导致招募了一批新型文化官员，艺术官僚体制逐渐形成：各式委员会层出不穷，不冒风险，不担责任，试图在服务国家的同时，也服务于自己的仕途，越俎代庖，替代那些被监管起来的艺术家们。
而官僚化的机制，导致了“一些没有风险的价值观逐渐、谨慎地聚合起来。
③公众与艺术；
现实生活中，公众（不一定受过教育，不一定有敬重心，兴趣也未必持久）对艺术的好恶，令专业创作者感到不安。“不同社会阶层的人事实上都在竞争，以确立自己的趣味与文化偏好，精英或者统治阶层不再是唯一拥有话语权的人。民主在文化领域发挥着好坏参半的作用，不一定是朝平庸、媚俗或高雅文化借取价值标准的方向，而可能是在边界日益模糊的社会单元中，确立亚文化的地位。”
④文化产品的工业化生产；
博物馆需要为公众腾出一席之地。“文化场所需要改变，需要现代化，需要向文化管理与文化产业开放。这一变化对文化场所的空间组织、活动性质和服务种类都产生了影响。”
文化消费的增长，使得文化产品繁荣发展。而文化生产的工业化，使得传统的占支配地位的的文化和艺术，即主流文化或精英文化被否定，这种“正统的终结，意味着可能重新成为自由人，成为创新者，充满创造力，回归自我，与自身的文化弥合，创造自己的艺术。”
然而，当主流或精英被打破，“所有产品都在要求平等的合法化，却无视合法性与价值本身的缺席。于是，‘去差别化’的进程丧失了它强烈的革命意义，变成为‘漠视化’”。“当只剩下带有相同价值与相同合法化的单个事件时，一切都失去了意义：不再有什么差别或记忆，只剩下表演。”
⑤感知的变化，审美的变化；
本雅明认为：“艺术品的本质并非亘古不变，而是取决于社会演变和技术发展的历史。”唱片、广播、电视、乃至于现在的计算机网络，使得人们的注意力不断被转移，关注点不断被延伸，艺术的神圣性和严肃性也在被消解。
他也曾预言：人类社会将诞生那些可以说是非艺术的艺术形式，在其中将难以寻觅对以往艺术静观与沉思的记忆。复制降低了艺术品的可得性，也降低了公众对艺术的思考力。毕竟，总有一款适合某个人，他所要做的，仅仅是寻找，不断寻找，直到找到；然后前往下一个目的地。
当艺术被置于民主化、商业化、不断细分的文化中时，当代艺术的危机实际上与我们对艺术及其功能的传统期待的改变相关联。
更深入地看，这场危机发生在审美与感知方式的根本变化之中，后者将传统的关注方式彻底扫除。
总而言之，当代艺术的危机，“实质上是我们的表征体系动摇、体验方式变化的一种症候。”
当代艺术的危机，其自深深处是市场的危机。 ——法国艺术批评家伊芙·米肖《当代艺术的危机》
当代艺术面临的危机：
当代艺术涉及的系统包括三大部分：
主体——社会活动的各方：；公众、创作者、中介；
环境——由体制、交往、公共或私人占有及消费模式共同构成的接受环境；
对象——作品、作品的概念、作品的象征意义及其价值。
由此，危机细分为以下几类：
①市场低迷的影响；
②国际地位与受虐心理；
③文化国家的现状；
④批评界的健康；
⑤艺术家的隐退；
⑥创作的活力；
⑦公众的缺席；
⑧信仰的丧失；
当代艺术能否度过危机
对于以上危机，伊芙·米肖认为：“不存在什么艺术危机，有的只是艺术表征的危机。危机是双重的：它涉及艺术概念本身，也涉及我们对艺术的期待。”
因为“民主社会的原则颠覆了我们原本希望以之为民主的东西：个体的公民平等似乎并未导向他们情感的和谐，反而呈现出明显的不和。”即民主使得个体都有表达的空间，而对于个体表达的宽容，使得个体对于艺术的表达更加个人、感性。
正因为当代艺术的危机，并不是艺术的危机，只是表征的危机，所以：“艺术将在我们重新真正需要它的那一天，走出危机。”
也许，是明天；也许，永远也不。
