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文丨编辑 快看原同学
前言
《唐璜》这部歌剧是莫扎特比较有代表性的作品，剧情充满着高尚、审慎、节制，把早期为封建贵族创作的戏剧，塑造成体现 社会真实生活 。
其*特中**别引人注目的特点是对音乐的巧妙描绘，独特的音乐风格，精致的编曲，合唱的巧妙运用将歌剧表达的淋漓尽致。
《她心情平静》是歌剧《唐璜》中比较有代表性的男高音咏叹调，这首咏叹调旋律美妙，乐句规整。
在艺术上讲究内容 与形式平衡协调，思想清晰，情感优美， 始终保持着理智所能允许的程度。
很好的 刻画出了剧中角色的内心世界 ，虽然歌剧的主角是由男中音扮演，但男高音也在歌剧中起着重要作用，正因为有男高音，才会有鲜明的戏剧冲突和角色对比。
接下来小原会对莫扎特这首经典男高音咏叹调进行剖析与比较，进一步了解歌剧中人物的心理刻画及艺术特征与创作风格。
咏叹调《她心情平静》的艺术特征
咏叹调《她心情平静》是一首非常经典的歌剧选段， 属于轻型抒情男高音的曲目 ，对声音的要求更细腻一些，不太适合那些声音比较雄壮，浑厚的男高音演唱。
这对气息的操控和把握要求非常高， 虽然音量不大，但是有穿透力，更能触及人内心深处。
许多歌唱家在音乐会中都把它作为必唱曲目，其浓郁抒情的气质，规整的曲式结构，优美的旋律线条深受广大男高音的青睐。
咏叹调《她心情平静》是奥塔维奥在歌剧第一幕第三场中演唱的，作为安娜的未婚夫，这是全剧唯一的男高音，一个高尚，温和，儒雅对安娜充满感情的年轻人，为了爱的人可以牺牲一切。
很好的塑造了一个 正面的人物形象 这与唐璜风流、浪荡的风格形成了强烈的对比，正是由于这种人物的反差，才使得歌剧的剧情更加具有吸引力。
这对于演员来说考验的不仅仅是唱功，还要有人物性格以及各种情绪的流露，难度是相当大的。
因此要想把人物舞台形象成功的塑造出来，必须要把整个剧本研究的相当透彻，不单单是声音技术的解决，更要走心，既要走进歌剧人物角色的内心，更要打动观众的内心。
回顾当时的剧情，唐璜和安娜在*情调**时发生矛盾，唐璜要强奸安娜，之后安娜的父亲闻声赶来，要和唐璜进行搏斗， 在搏斗过程中最终不幸身亡。
之后安娜和她的未婚夫奥塔维奥找到了一个人想要替父亲*仇报**，但他们并不知道这个人其实就是凶手唐璜。
因为他在和安娜父亲搏斗时是蒙着脸的所以没有被认出来，后来由于在和这个人谈话中安娜察觉出了其中的端倪，便提高了警觉。
最终戳穿了唐璜的面具，要求未婚夫奥塔维奥杀了唐璜从而为父亲*仇报**，之后悲痛的离去，这时奥塔维奥演唱了这首咏叹调。
意思是： “当她心情平静时，我也会感到平静，她幸福了，我也就高兴了，如果她悲伤，我也会痛苦，看到她的眼泪，我充满了痛苦和惆怅，希望让她尽快能从悲痛中走出，充分表达了对安娜无尽的爱。”
音乐创作手法
咏叹调《她心情平静》在创作上具有严谨、规整、乐观、含蓄的风格特点，语言非常的通俗易懂，每一句歌词的衔接都恰到好处，丝毫没有半点不妥，很好的体现了莫扎特那个年代所追求的自由、平衡、理性的民主思想。
其音乐的创作并不是完全把自己的感觉放在第一位，更主要的是考虑到歌曲给观众带来的整体效果是什么样的，这对于歌者的演唱技巧来说有相当高的要求。
除此之外作为维也纳 古典学派的代表人物 ，莫扎特非常注重形式与内容的完美结合，将旋律线条呈现出来，从而让音乐与剧情紧密相连，将主人公的内心刻画的惟妙惟肖，这在咏叹调中非常明显。
通过 切分节奏、休止符、持续音 毫不费力的反映出歌剧主人公的内心情感，用音乐的强弱对比把剧情的发展推向高潮。
尽管整首作品音域比较高，但所有音符都是在一种舒缓的环境下进行的，歌曲内容虽然表现的是痛苦悲愤的情感，但时不时又流露出一种乐观的人生态度，这与作曲家在其一生中对民主与自由的追求是密不可分的。
纵观旋律的发展，无论是专业的音乐人士还是业余的音乐爱好者都能在不经意间获得一种享受，这种独特的音乐创作手法，并不是哪个作曲家能够轻而易举超越的。
咏叹调《她心情平静》演唱分析
咏叹调《她心情平静》是 再现的双主题单三部曲式 ，即 A + B + A1 +尾声结构整个作品从 G 大调转移到 g 小调，然后回到 G 大调，这反映了“起-开-合”的功能运动。
整个作品主题鲜明，在调式上前后呼应，速度快慢上形成鲜明对比，体现了作曲家严谨的音乐创作手法。
A 乐段由 17 个小节组成，分为两个乐句，第一小节是一个空拍，乐句1是从第二小节开始，伴奏织体上都是在 G 大调和弦上进行，以柱式和弦为主，给人一种庄严的感觉。
之后四个小节在旋律发展上继承了前四小节发展的特点，线条性更加明显，但伴奏织体方面仍然是在 G 大调的功能和弦上进行。
到第二乐句时伴奏织体出现了跳音不再是以单纯的柱式和弦为主，音乐感觉轻快了一些，特别是主旋律属音的延长，预示调性即将要发生改变。
这在最后一小节的旋律发展中很明显可以看出，出现了降7的变音标记，和声也发生了改变，总体看来乐段 A 结构比较方整，尽管偶尔出现了二级和七级和弦，但旋律的发展始终还是在主和弦的功能音上进行的。
B 乐段共有十九个小节，非方整性结构，并且在不改变调号的情况下被转移到同一个主音的 g 小调，织体和情绪方面发生了明显的变化。
主旋律上多采用下行音阶进行，16 分音符用的偏多，而且排列也非常紧密，旋律在速度进行上也逐渐加快，给人一种紧张感，和之前的音乐形成强烈的反差。
伴奏织体上临时变音记号逐渐增多和主旋律的发展遥相呼应，乐句在刚开始发展的时候音域保持在中声区。
后来随着旋律发展的进行,开始向高音区过渡，有多个音集中在升 f 和 g 上，此外在休止符运用方面，更多是休止音符的前半拍，这也 在音乐上给人一种紧凑感 。
随着旋律的发展开始转向 b 小调从而给人一种短暂的离调感，但之后结束在 G 大调的属和弦上，从而为主题的再现做好了准备。
再现部分 A1 由 37 个小节组成，它是乐段 A 的完整再现没有明显的变化，但唯一的一点是尾声部分较长，占了 22 个小节。
在这里我们主要分析一下尾声部分，音乐从 52 小节的弱拍起进入尾声，从主旋律上一直截止到 56 小节，多是由 16 分音符构成，乐句的排列非常紧凑，在伴奏织体上和主旋律遥相呼应。
即休止了强拍也修正了弱拍，互补关系非常明显，给人一种自由舒缓的感觉，之后音乐的发展又回归到了主旋律，到 66 小节处，旋律的发展开始采用半音关系的大跳进行。
给人一种短暂的离调感，伴奏织体方面延留音和持续音逐渐增多，尽管最后四个小节主旋律都是采用休止符代替，但是伴奏的进行给人一种完美的终止感。
演唱技巧诠释
乐段 A 一开始采用行板，速度非常缓慢，对于演唱者来说是非常大的考验，因为这需要非常好的气息支持，特别是第一句从小字二组的 d 开始起音，很容易让气息提起来，如何让气息下沉显得尤为重要。
但有个别演唱者为了追求气息下沉，在演唱过程中出现了往下压的状态，这便是一种误区。
正确的感觉应该是在身体放松的状态下，均匀的呼吸让气息落到横隔膜处，然后打哈欠，这样喉头很自然的就向下走，喉咙也打开了。
气息演示图
之后随着旋律的发展，开始进入到了男高音的换声区小字二组的 g，这个音放在这首作品里，如果完全用真声，我认为还是比较难唱的。
但如果用半声演唱，将会非常轻松，放在演唱当中就是通过打哈欠将喉咙努力打开，气息支持住，将音量减半柔和得出来，但是声音要有穿透力。
特别是在唱到咏叹调中连续的十六分音符时，这种感觉要更充分，从而让声区的过度没有痕迹。
《她心情平静》在声乐学习与演唱中的价值
《她心情平静》作为莫扎特歌剧中咏叹调的代表作品，无论是从音乐风格还是演唱技巧上都很好的验证了 半声唱法 在歌曲中的的至关重要性。
在声乐初学者中，特别是训练男声唱歌时，他们往往为追求音量而大声喊叫，更经常用胸声和大本嗓进行演唱，这种声音非但没有质量而 且 对声带损伤也极大。
特别是在高音区即使高音唱上去了，也很难听，针对这些问题，我认为，通过“半声”训练的方法，踏踏实实的练习才会有良好的效果。
半声训练可以增强声带功能的持久性，不仅可以保持声带的健康，还可以治愈受伤的声带并恢复其能力。
无论是中国的知名歌唱家，还是外国声乐界的大师们都非常注重半声唱法的训练，例如中国的著名声乐教育家王福增教授，就在教学中用小声哼唱的感觉找到声音的高位置。
在这种感觉稳定住后，再将声音扩大，国外的例如伟大的男高音歌唱家帕瓦罗蒂及卡雷拉斯都非常注重半声唱法的运用。
帕瓦罗蒂曾在一场音乐会的返场曲目中用半声演唱《我的太阳》的高潮部分，而卡雷拉斯则在歌剧《卡门》中将《花之歌》最后的高音降 B 改为用半声进行处理，这都彰显现出了大师们深厚的艺术造诣，以及扎实的演唱功底。
因此通过对上述几位歌唱家介绍，无不验证半声唱法在声乐演唱中重要价值.结合自己多年学习声乐的经历。
个人认为莫扎特的声乐作品是非常好的半声训练教材，在一定程度上来说半声比真声更难唱，更加考验演唱者对气息的驾驭能力。
如果能够熟练掌握将会对高音的获得有非常好的帮助，而且还能大大的延长自己的艺术生涯，而前提是得益与半声唱法在歌曲中的巧妙运用，相信不管是声乐爱好者还是专业的歌唱演员如果能掌握好半声唱法，定能在自己的专业水平上更上一个台阶。