于丰华，副教授，从事艺术教育教学30余年，现任大偊文化艺术教育体验中心校长，中国艺术教育促进会工作者协会会员, 中国文化部艺术人才库成员，中国女画家协会会员，黑龙江省美术家协会会员，国家画院卢禹舜导师工作室画家。
教学之余多次参与国内外各类画展，作品在多种报刊及媒体（百度、搜狐、中华网、文化精英网、荣宝斋、琉璃厂在线）等权威网站上发表推荐，各类作品被国内外友人、机构收藏
个人作品参展节选：
2023.12 第十届当代中国山水画展，作品《鲲鹏邀约》获优秀奖；
2023.11 奋进新征程建功新时代《芰荷玄同一百名女画家国画作品展》；
2023.04 《记忆与未来》沸铜国际数字艺术展线上及线下巡演（北京王府井、上海、广州、深圳、郑州同时展出）；
2022.03 祖国颂.喜迎二十大.百位女艺术家作品展；
2022.08 全国女画家庆祝二十大胜利召开作品展（北京）；
2022.11 芸帙披香-当代中国画名家学术观摩展（北京）；
2021.07 “芰荷玄同-庆祝中国*产党共**成立100周年百幅作品展”两件品被收藏；
2021.03 献给母亲的歌-庆祝建*党**100周年-全国百位女画家作品展（北京）；
2021.05 “献给母亲的歌”-全国百位女画家国画作品展（武汉）；
2020.09 作品入选第二届“神圣长白”全国中国画作品展（吉林）；
2020.11 荣宝斋“一握风云”-中国书画成扇展（北京）；
2019.08 己亥墨象-当代百家学术观摩展 （李可染美术馆）；
2019.09 以心化境-当代中国名家写生作品展(北京)；
2018.09 “墨韵昆山”-海峡两岸女艺术家交流展；
2017.03 巾帼凤義丹青芳馨-中国当代百名女画家精品展（北京）；
2016.01 中国国家画院“水墨乾坤”师生展；
2015.08 第十三届中国临沂书圣文化节.中国画名家邀请展（山东）；
2013.01 中韩女画家作品邀请展（韩国）；
2012.08 情系沂蒙.迎七一.中国国家画院导师学员联展（山东）；
2012.09 中国国家画院大道同行师生展；
2006.04 油画作品《莲梦》获得全国美术教师作品大赛二等奖；
2005.12 岩彩作品《残荷》《正午阳光》被收录在中国中青年教师作品集并获优秀奖；
2001.12 油画作品《野菊花》荣获“大观杯”全国教师书画大赛优秀奖作品收录在美术大观。
《梦入芙蓉浦》之三 180X145cm 纸本 2014作品
《雨洗千尘梦更悠》 180X145cm 纸本 2016作品
《春风十里》 138X68cm 2017作品
《沐浴夕阳》 68X68cm 纸本 2016作品
《绿水悠悠》 68X68cm 纸本 2015作品
《临溪而居》 68X68cm 纸本 2014作品
《紫气东来》 68X68cm 纸本 2012作品
《小雨过后》 50X50cm 纸本 2021作品
《听泉》 68X45cm 纸本 2019作品
《午夜阳光》 180X48cm 纸本 2014作品
学习中国山水画的心路历程
从事美术基础教育教学30余年，突然转型学中国山水画，这在别人眼里有点突兀不理解，而我则是多年的一个情结，如同欣赏品读唐诗宋词一样，喜欢它的简练与深刻；中国古代的“水墨丹青”既如此；更爱“文人画”的品质精神，笔墨的简约、淡雅、情趣、逸性、神韵及意境之表达---
兴趣使然
文人画自然是“文人雅士”“士大夫”笔下所创作的画，也称“士夫画”，是中国画的一种。文人画具备四个要素：“人品、学问、才情和思想”方为之完善。文人画可追溯到魏晋南北朝，甚至更早。姚最其说：“不学为人，自娱而已”成为历代文人画家尊为绘画的宗旨，影响深远；文人画兴起在唐代，大诗人王维首次将诗书画结合，提倡“诗中有画，画中有诗”，其绘画作品成为后世文人画家的范本，给文人画奠定了基础，被奉为文人画的鼻祖；宋代继承延续唐代文人画风，元代因社会统治地位的变革文人画又注入了新的元素，明清的兴盛繁荣;一脉相承涌现出许多位画家：宋有苏轼、赵孟頫、李公麟、李唐、蔡襄等，元有米氏父子米芾、米友仁、王蒙、黄公望、倪瓒、吴镇四家等，明有张宏、沈周、文征明、唐寅、仇英等，清 有石涛、八大山人朱耷、任伯年、吴昌硕等；这些自命不凡的文人学识渊博、有思想、素养高、洁身自好清高脱俗又具文人的风骨 ，文人画是以学养为基垫，作品自然呈现诗书画意之情怀，重在画外之意境的表达，正所谓“腹有诗书气自华的文人气质”高格品质 。
文人画的特点：区别于民间画和宫廷画的工整，反对摒弃完全求形似的画工风格，以求似与不似之间之妙趣，是一种独特的表现形式；
文人画取材于山水，梅竹兰菊和枯树奇石；
文人画注重形式美，兼诗书画印于一体，提倡文学修养和情怀表达 ，无论书之章法布局、还是绘画构图之讲究极尽经营，所谓“知白守黑”“画与空皆画也”的哲学思想；
文人画尚写意、笔墨淡雅、酣畅率真、笔法练达豪放、以简致胜，所谓“多一笔为之赘，少一笔示为亏”，寥寥数笔所呈现物象 看似不经意的随性，然寓意深刻，奇妙不可言；
文人画以观念为主导、营造意境、清逸雅韵、拟物抒情，色彩浅淡清新格调高，气韵意境令人折服神往，回味无穷，
文人画更是一种精神。
但真正能读懂悟道并能创作出理想的作品，绝非一招一式，三年五载也不成，即便能够得心应手的使用工具、灵活熟练的把控运用中国画技法、技巧及笔墨关系再现物象，也仅仅停留在表层，中国画之大成在于意境的创造，画外更深层的寓意，“弦外之音”---
不难理解毕加索如此喜欢中国画，并临摹齐白石百余幅花鸟鱼虫，他说：“真正的大艺术在东方，在中国”，可见中国画地位不一般！
浅析山水画
道家讲，人生有“三重境界 ”，中国画也有三重境界。以山水画为例，中国山水画的三重境界：一、看山是山、看水是水；二、看山不是山，看水不是水；三、看山还是山、看水还是水。
看山是山、看水是水：意指是入门阶段，对于山水画的思想意识处于基础阶段、临摹阶段，依本物象，没有独立的创作意识和表现能力，故临摹作品、临摹自然，所画之物是皮毛表相，“是我思之我在”，眼见为实和直观的判断，属认知的表层，正是唐代韦应物 的“落叶满空山，何处寻行踪”的初始迷踪，为初境；
看山不是山，看水不是水：是一种渐进的过程，指发展阶段，跳脱出描摹阶段，有意识梳理提炼组织素材，总结自然物象的规律重建画面营造新的构成图式，不再是简单的再现景象；是用脑思考后产生的物象总和，是事物的本质，如人之骨和血液，是事物主要矛盾新的构架，不是简单直白浅显的场景和物象搬运。但此阶段还是没能跳脱出客观物象的束缚或说习惯经验的制约，所画作品仍然是客观自然物相本身的再现，欠缺突破跳脱出物外高度，此为苏轼《*八大十**阿罗汉颂》中引用的“空山无人，水流花开”困顿之境，为第二层境界；
看山还是山，看水还是水：是指画者经过前面两个阶段的学习体验积累悟道之后的彻悟，跃居为自主创作，跳脱出客观物像的依存和束缚，随心营造出理想虚空的画面意境，是悟境；是艺术家内在的转化，把自然之物相转化为心中之物相，营造一个全新境相，是艺术家思想意识上的玄幻构思成真、已形成为艺术家个体独特的视觉语言符号；恰如卢禹舜导师的“八荒通神”系列作品之画境，眼前无一物、心中有万象的宇宙之大观，万物皆入画，正如 教育大家潘天寿先生强调的“艺术的高下终在境界，境界层上一步一重天”，所谓“万古长空 一朝风月《五灯会元》卷二 ”之畅然升华为禅意之境界，此第三层境界，超脱之境。
三重境界是从画者成为艺术家量变到质变学习成长的经历和过程，一二重境是入门体验悟道的过程，三重境则是觉悟后的状态，是艺术家终其一生所追求的境界。
说体验感受
画山水画与我而言，难于驾驭把控的难点则是作画之前的全盘思考，做到“意在笔先”，深层面的画外理念和内涵，仿佛无形却在心中已成画作，这个过程恰似下一盘棋，缜密的思考全盘布局，又似老中医治病、首先是面对患者“望闻听切”，做到整体的了解病人之后 方能开方下药，而不是头疼医头脚痛医脚；作为创作者则是面对一张纸，画什么、怎么画、做整体思考布局，解决如何画的问题；同理 置身投入其中方知自己能力有限、困乏穷词。
在国家画院学习期间，我纠结万分，原以为自己涉猎很多画种，油画专业毕业，又学习体验过岩彩、和纸画、内画、设计，又教过艺术赏析，对中外艺术史也算有所了解，学山水画或许能顺手，实际远不是那么一回事。在一线从事西画基础教学久了，满脑子的造型、结构、透视、构成、虚实关系、 色彩关系等等，可拿起毛笔脑子一片空白，不知如何下手，怎么画？实质是怎么画都不对！一晃10年的历程过去了，我的体会是：对于中国画略知一二凤毛麟角而已。
首先遇到的问题是观念的转化
学习期间我每隔一段把所画的一组习作拿给导师看，老师一一点评之后总要补充强调一句：还是要转变观念！
我狐疑，本是土生土长的中国人，不知不觉中被西画理念格式化了？正所谓用中国画的工具材料画出的是西画理念和思维形式，是职业习惯导致思维的定式和固化，切换不灵一时之间不知所以然---
于是把自己从前所学归零，像个小学生一样，闭关把自己埋在书堆、画册里，如饥似渴的吸收“急养”，告诫自己勤于请教，多看，多听，勤动手，多研究。
学习中国画不可避免对比中西画法则的异同，中国画尤其传统绘画审美情趣和关注点、有独到的审美准则，材料工具自然不同，表现形式和方法也不同于西方绘画。仅就构图而言：中国画的图式即称章法或布局，不受西画数字法则的局限，相对自由，如“散点透视”一路走来似随心所欲挥洒笔墨，如同边走边叙或平铺而就，以图示景，他山之石可挪用，他山之树可借来栽之，如、王希孟的《千里江山图》和黄公望的《富春山居图》最完美的诠释这一法则；也可一举”冲天布阵式”或曰“顶天立地式”营造出雄伟壮观高山仰止、身临其境的逼人气势，如：范宽的《溪山行旅图》直观而明确诠释了三远构图法则(高原，平原，深远)；再如石涛《画语录.山川章》提出“搜尽奇峰打草稿”强调中国画非抄袭自然，而是作者游历山川 感同身受、极尽筛选自然之物、经眼脑过滤后，做到“胸有成竹”“心中有树”方能一挥而就，一气呵成绘制作品，唯有如此作品才能大气磅礴、气吞山河；中国画独特的图式方法所传达的理念、要求作者必需具备整合素材的能力，把眼中之物、心中之物经过拆解整合后转化为创作所需要的材料，精心经营布阵绘制成为理想的作品；中国画必须经历漫长的亲身体验悟道后、才能理解经典传世之作形成的心路历程，才能够欣赏品读懂经典作品，领悟此作品非彼作品的区别所在。
中国画“构图”强调规律性和辩证互为统一的形式美法则，如顾恺之《画论》则 为之“临见妙裁，置阵布势”；又如谢赫在《六*论法**》里称之“经营位置”等，强调的是作者个体审美意识的思想性及表现手段的体现，主旨为如何把相对矛盾的物象关系及构成要素和谐统一在一幅画面里，在形式上体现主题鲜明突出、主宾呼应，开合有序，不仅指物象远近虚实得当，疏密聚散适宜，藏露有趣，还要趋于时空上的契合，点线面、比例、透视，黑白、留空等画面的构成因素关系融为一体、契合审美情趣，如何做到众多因素收放自如、趋之自然而然合理化配置，一幅理想的“构图”是平衡众多画面的构成元素、合理布局融为一体、达到和谐统一、使之形成好看的视觉图式；
大众眼里的图式内容也仅是表象，正所谓“外行看热闹、内行看门道”，好的作品则是经得起历史的打磨，是作者长期研究不断试错形成的最终历经大浪淘沙后成为经典画作 ，唯有经典之作才能较全面呈现作者力求完美的思想内涵，充分体现作者的精神风貌和个体价值观。好的作品一定是精神层面极品。
初学山水画的我经常是顾此失彼考虑不周，浮于表层的形式感美，中国画的高级恰在于画外的引申与延展，实则余音未了----
西方古典绘画则是写实主义精神，追求客观现实物象的真实和精准性，色彩变化微妙；构图是严谨的数字化，典型的是焦点透视法则，严格的逻辑学思维不可逾越，如达芬奇《最后晚餐》，霍贝玛的《米德赫尼斯的林阴道》等都可以计算出数据；当然文艺复兴后期出现了印象派、抽象派、立体派等，绘画形式多样化涌现，技法材料不断迭代，现当代西方艺术更为活跃，可谓繁华盛世！所谓的当代艺术借用了电影“蒙太奇”手段，随着科技手段的介入，电子技术及综合材料制作而成，极度的观念表现手段目不暇接，这些似乎和中国传统画没任何关系，但不妨碍艺术家们追求表达审美取向；崇尚科技追求先锋独具一格是时代赋予艺术家的自由，美学规律是一致的，审美是个体的，也有地域之分，更有文化的差异性，无论中西绘画有怎样的异同 ，对于艺术家而言定位很重要，是立足本土，还是跨越国界，凭任个*爱性**好选择方向，取决于自我学识的认知 。做艺术不是赶时髦追求时尚，更不是照搬照抄他人的东西，做无脑的涂抹或制作充其量也就是个“文化的搬运工”。
艺术家首先是真诚的人，知其然知其所以然，做能力所及理性的产出不枉生命的代价，我则悟性还不够深入，探索找到更为理想的契合点切入融合延展，达到心之所求的理想境界，艺路之遥遥还需扬鞭奋蹄------
说技法
技法字面解释:技，即技术；法，即方法，手段。
技法离不开工具和材料，但这只是表层的概念，仅限于运用工具材料过程中遵循传承沿袭古法，或作者自身开发延展技术过程中的表现手段；更为重要则是深层精神内涵 ，是作品之灵魂，也是艺术家毕生的追求。
中国画技法多样，却不可用数字标记，华夏文明史上下五千年记载，但中国画的发展历程 却始初于先秦两汉、魏晋南北朝，概况如下：可分六个时期，先秦两汉为萌芽期、魏晋南北朝兴起期、隋唐五代为成熟期、宋元为繁盛期高峰期、明清两代 因时代的环境因素为交错期、后为近现代期；历史不断在迭代发展，绘画同样是经历六个时期的传承推陈出新，往往是后人不断补充丰富前人知不足，如：宋、刘道醇的 《宋朝名画评》里提出“六要”“六长”丰富了南北朝谢赫所著《古画品录》中的六法，姚最的《叙画品录》中提倡“心师造化”为《古画品录》的续书；魏晋南北朝顾恺之的《魏晋胜画赞》《论画》《画云台山记》都提到“以形写神 迁想妙得”强调提倡借物升华理念；隋唐五代时期被称为绘画的成熟期，重要人物张彦远著的《历代名画记》中提出“绘画在审美教育、审美认识、审美娱乐等方面，曰：“夫画者成教化助人伦”“穷生变、测幽微”“怡悦惰性”还主张“书画用笔同法、笔不周而意周、意不在于画而得于画”提倡“水墨而五色具得”并将画划分为:“自然、神、秒、精、细谨等五品”可见隋唐时期绘画的定位品格之高格；又如同期的张璪《绘境》中提到“外师造化中得心源”；王维的《山水论》中提出“画道之中以水墨为上”“凡画山水 意在笔先”；荆浩在《笔法记》中提出“六要、四势、二病”并对“真图”做了解析；朱景玄在《唐朝名画录》中把绘画分为四品：“神品、妙品、能品、逸品”等诸如此类都在强调作画之前或作画同时大脑的状态，用理念指挥手中之笔、运墨与画纸之间的关系，而非照搬物象，再熟练的描摹尽其精准也非上品。
宋元时期绘画出现了繁华景象，尤其山水画达到了鼎盛期，画家如雨后春笋人才辈出画，这一时期艺术家纷纷著书题记各抒己见，发表推崇自己的观点；如郭若虚的《图画见闻志》提出:“气韵非师”观点强调指出运笔“板、刻、结”三病，并阐述了人品与气韵的关系，强调指出人品高、气韵就高，主张画人物必须分清贵贱气貌；郭熙的《林泉高致》论述山水画创作提出三远法：“高远、深远、平远”对后世影响深远；黄公望的《写山水诀》中指出作品一定要去“邪气、甜媚、俗气、懒怠”四病；黄修复的《益州名画录》中解析了“逸、神、妙、能”四品格调定位，称“逸品”为最高级，奠定了文人画的最高品评标准；这一时期还有很多的文人提出自己的主张，如苏轼的：“诗中有画，画中有诗、诗画本一律，天工与清新”；再如赵孟頫的：“不求形似”；倪瓒的“写胸中逸气”；山水画全盛期涌现出许多经典论句，对文人画的发展起到不可磨灭的推动力。
明清时期画论之多堪称第一，远远超越元宋时期，代表人物有石涛的论点：《石涛画语录》中提出山水画应该“脱胎于山川、搜尽奇峰打草稿、借古以开今、我之为我、自有我在、无法而法乃为至法”；沈宗骞在《芥舟学画编》论述“形与神、雅与俗、笔与墨之间的辩证关系，提出用笔的阳刚与阴柔之美”；郑板桥在《板桥题画》中提出“眼中之竹、心中之竹、手中之竹”的三竹，实则是艺术家创作的三个过程；经典论法很多不再一一赘述
众法芸芸各抒己见，皆是艺术家个体实践经验之理性总结。学无止境。
一支毛笔握在手中如何用？讲究之多，是其它画笔无法替代的，作画过程中首先是手中之笔应用的得心应手，与人合二为一，你的气息、力量、情感随着物象的呈现而转换变幻化，或波澜壮阔、抑扬顿挫，或开合恰当、收放自如，或干笔勾勒或水墨淋漓的晕染，或屏住呼吸精心勾勒，或散锋揉搓、横扫直抒帅气，运笔得心应手自然而然，方能“像由心生得心缘”!
实践地多感受自然深刻，解读前人的理论总结之精准，中国传统文化精髓绝妙无比， “可谓独一无二”，不可替代的美妙和神秘，趣味无穷尽！我非刻意运用前人哪一种皴法，但作画过程中不自觉运用在其中，尤其室外写生课，自然界既如此，你投入其中一切都是自然的流露，所为“自然造化中得心焉”的道理。被法所约束，不得释怀难抒胸臆，每每忘我投入画作其中、反倒“随物象形”。笔、墨、宣纸和水结合更是妙趣横生，书或写，勾或描，皴擦或渲染之中，偶尔出现的意外之喜，妙不可言， 正所谓“神来之笔”天意造化！那一刻内心之喜美不胜收。
说气韵
中国山水画尤其讲气韵大象
“气韵生动”是中国画的审美标准，谢赫的《六*论法**》里第一法就是“气韵生动”；荆浩的《山水录》里：“气者，心随笔运，取象不惑；韵者，隐迹立形，备仪不俗”；明代陆时雍的《诗境总论》里强调：“有韵则生，无韵则死；有韵则雅，无韵则俗；有韵则响，无韵则沉；有韵则远，无韵则局;凡情无奇而自佳，景不丽而自妙者，韵使之”。可见“气韵”无论在人物画还是山水画中都是不可或缺的，也是画家致力于精神追求的境界，同时气韵也是衡量中国画艺术价值的尺度。
观赏《八十七神仙眷》《朝元图》《洛神赋》《送子天王图》 ，我感受的气韵是：人物的精神状态，气质神情之所在，藏在举止中，体现在飘飘欲仙的衣带里，众多人物运行的动态里；观赏《溪山行旅图》《千里江山图》《富春山居图》《清明上河图》，我感受的气韵是：自然物象带给我迎面扑来的气息和震荡，是作者一气呵成激动荡胸的情感倾泄以及所思所想的诠释与升华，是精神境界的结晶，是生命的延续！
否则徐悲鸿不会两次倾尽其囊又加上自己的17 幅画作 把丢失的《八十七神仙眷》再次买回手中，视为“悲鸿生命”。否则吴氏三代为何视《富春山居图》为珍宝，最后宁可焚画陪葬。
中国画是以气韵为归属，气韵俱佳达到极致方称为稀世珍品，而绝非当下的风气仅浩浩荡荡的大场面、实则空洞如也。诚然现实作画实践中很难求得气韵俱得，气韵是很神秘的东西，可遇不可求，有时我离她很近，似乎召之即出，挥之却不见踪影，时常有捉迷藏之感，幸运之时少之又少，自愧功力还不够好，艺路漫漫还需努力研究探索。
谈个性观点
赶上这个繁华时代是幸运的，大量信息不断涌入“眼界”，不断开阔视野，想要什么一部手机操作得以解决。亲临国内外美术馆看各种画展 、走进自然获取你的所要，尽情发挥联想与创造能力，没有人能限制创作思路。就个体而言认为：了解自己最为重要，社会环境下你认知度在哪一层面，亦或是哪一领域或多个领域，给自己一个定位，你的关注点在哪里？你想做什么样的艺术？你能创做出什么样的艺术？求其知我者不如自知。
我喜欢本民族的传统文化，更喜欢画中国画，尤其崇尚传统文人画的思想内涵，融合借鉴是这个时代赋予当代艺术家的历史使命，不可墨守成规，更不可局限眼界和思维，艺术是相通的，不论本土或舶来艺术，哪怕它漂洋过海，飞来于冥冥宇宙，都需闯进门取真经，再出来融合贯通，方为传承发扬，无论题材或形式或表现手段，只要是好东西，都喜欢欣赏，愿意尝试体验、借鉴融合、衍生拓展发扬 ---
既然热爱这个专业愿意执着坚持下去，愿以“藏民”之躯、报以虔诚之心不断努力学习，取各家之长习之补自家知不足，达之所愿，希望能走出一条属于自己的路。力求寻找属于个性的元素、构成新的图式、新的语言形式，组织运用各种材料，技法和手段， 采取不固定形式和方法绘制作品，来呈现自我的观注点，展示内心所思所想，以作品诠释传递时代的声音。
于豐華2024年1月23日 于北京赏霞阁
